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martedì 30 aprile 2019

Meninas Formicida


Titolo: Meninas Formicida
Regia: Joao Paulo Miranda Maria
Anno: 2017
Paese: Brasile
Festival: Torino Underground Cinefest
Giudizio: 4/5

In una piccola città brasiliana, un’adolescente lavora ogni giorno in una foresta di eucalipti come disinfestatrice di formiche. Tuttavia, non è l’allontanamento degli insetti la vera sfida, bensì la sua lotta interiore.

La giovane protagonista di questo insolito cortometraggio vive in una roulotte con la sorella, la madre e un bimbo piccolo. Sono tutte povere e le condizioni di vita scarse e precarie.
La sua lotta è soprattutto interna sperimentando la sessualità e non sapendo come approcciarsi con i ragazzi (la scena in cui viene presa a schiaffi da un'altra ragazza è funzionale quanto per certi versi abbastanza gratuita). Allora forse l'unica forma di vita silenziosa, piccola e instancabile lavoratrice diventa proprio quella stessa formica che per necessità tocca quotidianamente sopprimere.
Girl, così possiamo chiamare la protagonista senza nome, viene sempre inquadrata di spalle quando è sommersa dal brusio e dal caldo soffocante delle piantagioni di eucalipti.
Sembra catapultata in un altro mondo e in un'altra realtà. In parte è così ma forse questo bisogno di estraniarsi è legittimo contando la lotta per cercare di non essere sopraffatte dalla società soffocante in cui vive.



giovedì 18 aprile 2019

JoJo's Bizarre Adventure-Diamond Is Unbreakable Chapter I


Titolo: JoJo's Bizarre Adventure-Diamond Is Unbreakable Chapter I
Regia: Miike Takashi
Anno: 2017
Paese: Giappone
Giudizio: 3/5

Il capitolo 1 del JoJo di Miike ripercorre i primi 2 tankobon (29 e 30 della serie completa) del manga, dividendosi piuttosto nettamente in due parti/tempi. Nella prima, conosciamo il protagonista Josuke “JoJo” Higashikata e il suo stand Crazy Diamond, un aggressivo stand adatto al combattimento ravvicinato, ai cui rapidissimi pugni è associato un particolare potere di “manipolazione” su ciò ch’egli distrugge; dunque assistiamo alla lotta di Josuke con l’assassino seriale Angelo (Anjuro Katagiri) e il suo stand Aqua Necklace, potere acquisito da costui dopo essere stato colpito da una strana freccia, scoccata da un misterioso personaggio. In perfetto stile supereroistico, tale scontro determinerà una certa svolta, che influenzerà profondamente Josuke spingendolo a impegnarsi nella difesa della sua città, Morio-cho.
La seconda parte corrisponde allo scontro con i fratelli Nijimura; al termine del quale si forma di fatto il gruppo di personaggi, Josuke in testa, che avranno l’onore e l’onere delle successive battaglie. Inoltre, intravvediamo almeno un pezzo (!) di quello che sarà il big boss finale…

Ci sono i fan e poi ci sono quelli che venerano un artista. Per Miike Takashi è così.
E'stata una fortuna averlo conosciuto, essermi fatto una rassegna vedendomi in una settimana circa 40 film e poi aver capito che riesce a farmi salire l'hype più di qualsiasi altro regista.
In più è una sorta di semi dio, ha una filmografia che levatevi tutti dalle palle, non ha quasi mai sbagliato niente e più di tutto non se la tira ma se gli chiedete come mai nel suo cinema ci sia così tanta violenza probabilmente vi risponderà a dovere tipo "E allora cosa ci fai qui a guardare i miei film" (Torino, 2006)
Ora oltre ad essere un fan del regista sapevo che da tempo ormai prova a destreggiarsi in qualsivoglia genere con risultati spesso eccezionali.
Il live action è un sotto genere strano e pericoloso capace di brutture senza eguali e fallimenti all'ordine del giorno.
Così per fortuna non è stato ma diciamo pure che Jojo per me è sacro per i fumetti come i mostri di Kentaro Miura quindi sì...ci sono rimasto male e il film devo dire che poteva essere decisamente meglio. Parliamo di colui che è stato in grado di portare sullo schermo due dei film più belli di super eroi mai visti Zebraman 2 e un altro cartone davvero singolare che al cinema poteva diventare una trashata cosmica e parlo ovviamente di YATTAMAN.
Con Jojo siamo già incasellati nella quarta stagione quindi per chi non conoscesse la storia diventa un problema più che per i film Marvel. Purtroppo manca un villain incisivo come Dio, e ho letto che ci sono stati ingenti limiti di budget.
A trent'anni dalla sua nascita, Diamond è il primo capitolo di una trilogia che si promette di trasporre la quarta serie del manga.
Un ottimo prodotto, commerciale e di maniera, con cui Miike conferma il suo talento, ma per ora nient’altro. Sarà molto interessante vedere cosa accadrà con i prossimi episodi, sperando che sia sempre l'outsider nipponico a dirigere il progetto ma sperando anche in un ritmo più concitato che fino a prova contraria è uno degli assi nella manica dell'autore.



lunedì 11 marzo 2019

Who's watching Oliver


Titolo: Who's watching Oliver
Regia: Richie Moore
Anno: 2017
Paese: Usa
Giudizio: 2/5

Il solitario Oliver vaga di notte senza meta per le strade della città. Intrappolato in una vita umiliante e frustrante in cui riesce a reagire solo con la violenza, Oliver trova nella dolce ed ingenua Sophia un’ancora di salvezza. Con lei il triste e squilibrato killer cercherà di mantenere il controllo…

Who's watching Oliver è un altro malato film che mostra un protagonista vittima di disturbi mentali con un rapporto ossessivo compulsivo nei confronti della madre che lo guarda da uno schermo consumare rapporti e affettare ragazze per cui prova dei sentimenti.
Uno slasher splatter in parte con scene davvero esplicite nei nudi e nel sangue quando mostra sopratutto le scene di torture ai danni delle povere malcapitate.
Il fatto che la pellicola sia indipendente oltre ad essere l'esordio di Moore, di sicuro apporta alcuni piacevoli accessori al film e riesce a metterlo in scena con alcune suggestive e originali momenti, come il rapporto di Oliver con le coetanee, cogliendo i suoi stati emotivi interni quando prende le "pillole" sondando il rapporto con i problemi mentali generati dagli abusi commessi dai genitori e la loro conseguente connessione con la sfera emozionale con cui Oliver ha molta difficoltà oltre ad apparire in pubblico come un semi ritardato.
Moore riempie immagini di sangue e frattaglie, usa tanta camera a mano oltre che seguire minuziosamente il suo protagonista con tanti primi piani e mezzi busti, rendendo la fotografia sporca dando così ancora più un senso di marcio e sporcizia all'intera pellicola.
Il film purtroppo non riesce ad essere, nonostante gli sforzi originale ad andare oltre quello che ciclicamente mostra senza affossare la critica o sviluppare qualcosa che non sia solo mattanza.
L'incipit e la trama in generale sono troppo debitrici ad altri film o classici di genere.
Oliver è un incrocio tra Bateman e Bates già visto troppe volte al cinema così come l'idea di riprenderlo sempre nella sua maniacalità osservando sempre la sua routine quotidiana, che consiste nell’alzarsi la mattina, lavarsi, prepararsi, fare colazione, infine compiere un giro al mercato e al parco giochi locale prima di selezionare le vittime impasticcarle, legarle e poi ucciderle con l'eco della mamma che incita il figlio a far peggio di quanto può.


Gonji


Titolo: Gonji
Regia: Arman Gholipourdashtaki
Anno: 2017
Paese: Iran
Festival: Divine Queer Film Festival
Giudizio: 3/5

Gonj (ape) è il racconto di persone che lavorano sulle montagne di Zagros, in Iran. Ad elevate altitudini e con semplici strumenti avviene la raccolta di un miele speciale con ottime proprietà curative. Paesaggi mozzafiato.

Le api sono un bene universale. Quando scompariranno tutte (e non manca molto) allora ci renderemo conto del loro insostituibile apporto al nostro pianeta.
Un gruppo di persone, in particolare un uomo, mostra la complessa pratica per cogliere il miele e scacciare le api rimaste. Il profondo rispetto e la ritualità della pratica, fanno emergere una lenta e importante ciclicità di nomadi e gruppi di persone che da secoli portano avanti lavori scomodi procacciandosi i lavori nei modi più strani e impensati oltre che impervi dal momento che il gruppo di montagne di Zagros oltre ad essere monumentalmente affascinante fa impressione per le sue dimensioni e in alcuni casi l'inaccessibilità a salire su alcune pareti.

Punisher- Stagione 1



Titolo: Punisher- Stagione 1
Regia: AA,VV
Anno: 2017
Paese: Usa
Episodi: 13
Serie: 1
Giudizio: 2/5

Dopo aver vendicato la morte della moglie e dei figli, uccidendo tutti i responsabili, il pluridecorato veterano del Colpo dei Marine Frank Castle - che a differenza degli altri vigilanti a Hell's Kitchen non ha super poteri ma può contare su una enorme forza fisica, una insormontabile forza di volontà, un'ampia conoscenza delle armi ed eccellenti doti tattiche - scopre un complotto che non coinvolge soltanto la malavita di New York, ma ha radici ben più profonde. Ormai noto nella Grande Mela con l'appellativo The Punisher, Frank deve scoprire la verità su ingiustizie che non riguardano solo la sua famiglia.

Frank Castle che non spara per più di un episodio o non prende a mazzate qualcuno è un peccato.
In più non rispecchia l'indole di questo anti eroe diventato una pietra miliare tra la galleria dei personaggi più cazzuti della Marvel. La fortuna è stata anche quella di indovinare un volto che desse enfasi e sostanza al personaggio con la scelta del buon Jon Bernthal, un attore molto fisico e istintivo che in questo caso aggiunge carattere e muscoli al personaggio.
Il problema di questa prima stagione che dura la bellezza di 13 episodi da un'ora è quella di faticare a ingranare. Manca quasi del tutto l'azione. I personaggi che entrano ed escono, anche se non sono molti, non sono poi così male in particolare Russo, il quale però come lo stesso Frank, ad un tratto sembrano arrivare al capolinea per quanto l'indagine sia inconsistente e i punti deboli siano sempre maggiori. L'antagonista fatica a prendere vita e quando lo fa viene alimentato per ben due stagioni, lasciando spazio a Jigsaw quando i villain del Punitore sono tanti e aspettano solo di essere tirati fuori dalle pagine dei fumetti.
Frank Castle è stato caratterizzato di più e meglio nella seconda stagione di Daredevil-Season 2 di cui questa è uno spin-off. Ho detto tutto.
The Punisher, si basa sul personaggio omonimo della Marvel Comics creato da Gerry Conway (testi), John Romita Sr. (disegni) e Ross Andru (disegni), e così battezzato grazie al contributo dalla leggenda dei fumetti Stan Lee, apparso per la prima volta nel 1974 sul numero 129 di The Amazing Spider-Man.

Rain


Titolo: Rain
Regia: Alessandro Spallino
Anno: 2017
Paese: Italia
Festival: Divine Queer Film Festival
Giudizio: 2/5

Gli esseri umani nascono senza essere assegnati a un genere specifico, anche se l’aspetto è femminile. Acquisiscono il loro genere definitivo dopo aver attraversato il cosiddetto “completamento”, una procedura controllata. Rain, giovane studentessa, dovrà sfidare le regole imposte.

Con 3000 euro e l'aiuto di tanti amici, Spallino crea il suo primo corto in un'unica location, un acquario e alcune attrici irlandesi che parlano in lingua originale (scelta non motivata).
Il tema è glbt, dove la sessualità delle ragazze, in questo caso, non è libera, esse devono seguire un preciso controllo e una rigida procedura.
Il risultato è un opposizione ai vincoli e alla dittatura di questa strana organizzazione che seppure non venendo spiegata di sicuro è rivolta ad un futuro distopico. BLACK MIRROR che incontra HANDMAID'S TALE, con la differenza che il corto di Spallino in '12 è tutto un dialogo tra ragazze con la loro leader in inquadrature che sono tutte campi e controcampi, una fotografia che vira tutta sui blu che rimandano all'acqua, l'oceano e lo scorrere di pensieri, opposizioni e parole..

mercoledì 20 febbraio 2019

Rendel



Titolo: Rendel
Regia: Jesse Haaja
Anno: 2017
Paese: Finlandia
Giudizio: 2/5

Rendel, un vigilante mascherato finlandese, è alla ricerca di vendetta contro Vala, una potente organizzazione criminale.

Ogni tanto il cinema o la formula fare i film ha un preciso scopo. Liberarsi di denaro sporco facendo girare cifre importanti che non devono essere scoperte o rendicontate.
Ora non so se Rendel sia uno di questi casi ma il risultato non fa ben sperare. Un film davvero buttato lì dove le cose capitano perchè devono andare in quel modo senza lasciarti quella libertà, o quei dubbi che forse le cose non andranno come ci immaginiamo o che il film potrebbe prendere una svolta o una piega imprevista.
Ad un certo punto mentre lo guardi dici, ma è palese che mi stanno prendendo in giro, in realtà la storia è molto più complessa. Poi i minuti continuano a scorrere inesorabili e ti rendi conto di essere stato abbindolato perchè tutto accade come previsto.
Rendel è la riposta dei comics, dei super eroi, direttamente dalla Finlandia. Qualcuno ne sentiva il bisogno? No, ma come tanti prodotti si cerca di accoglierli per capire se meritino oppure no.
Dalla Finlandia ho apprezzato molto di recente Euthanizer, Sauna, Trasporto Eccezionale-Un racconto di Natale, tutti meritevolissimi film dove il secondo ha una marcia in più.
In un modo o nell'altro descrivevano questo freddissimo paese e ci mostravano le loro leggende e il loro folklore locale.
Questo sembra un film americano girato in Finlandia dove se non lo sapessi a parte la neve potrei benissimo dire che è stato girato in Canada.
Rendel poi non ha nessun motivo per essere ricordato o per stare simpatico. L'eroe non parla e giustizia quasi sempre a suon di cazzotti, accompagnato da una adolescente darkettona particolarmente problematica e da una serie di personaggi che ci fanno dimenticare chi sia il vero protagonista.
Rendel cerca nella maschera di assomigliare leggermente al personaggio creato da Todd McFarlane fallendo miseramente la missione.

lunedì 11 febbraio 2019

One cut of the dead


Titolo: One cut of the dead
Regia: Shinichiro Ueda
Anno: 2017
Paese: Giappone
Giudizio: 2/5

Una troupe sta girando uno zombie film indipendente quando viene assalita da veri zombie, risvegliati dal regista invasato per avere un effetto cinematografico più "reale". E se fosse tutto un making of?

Sono rimasto colpito dall'entusiasmo con cui è stato premiato e ha avuto incassi da capogiro l'ennesimo film di zombie con una virata strategicamente furba ma in fondo nemmeno così interessante come ci si poteva aspettare.
In un'epoca bombardata dai social, dalle serie tv, da film commerciali creati con lo stampino per essere a tutti gli effetti gregari post contemporanei di un'altra fetta di cinema, faccio davvero difficoltà a capire perchè questo film sia diventato quasi un cult soprattutto in Oriente.
L'idea di scardinare un concetto fatto e finito nel cinema di genere non è poi un elemento così raro di questi tempi. Basta saper cercare nei punti giusti ma l'universo cinematografico è onnivoro è pieno di opere bizzarre, con delle sceneggiature semplicemente aperte a cercare di essere mischiate o variegate con ciò che già si aveva.
Nel film di Ueda la struttura e il ribaltamento degli atti, aiuta a sconvolgere la psiche dello spettatore, ma essendo una tecnica di montaggio, bisogna tener conto che più di ciò non è, lasciando lo stesso i dubbi e le perplessità e la noia, di vedere in fondo la stessa azione giocata su piani e ambienti diversi, ma esasperata come solo gli orientali (o meglio i giapponesi) sanno fare.
Ho trovato il film una mossa commerciale astuta come poteva esserlo ai tempi BLAIR WITCH PROJECT, ma non per questo bello, interessante o che mi abbia trasmesso qualcosa di "originale".
Siamo di nuovo in tempi dove il genere essendo inflazionato ha bisogno di migliorie che ne cambino di poco l'assetto o la forma ma lasciando medesimo il risultato.
Tantissimo fumo a questo giro per un indie costato 20.000 dollari di budget e che (finora) ne ha incassati 27 milioni solo in patria.

venerdì 8 febbraio 2019

Settima musa


Titolo: Settima musa
Regia: Jaume Balaguero
Anno: 2017
Paese: Spagna
Giudizio: 3/5

Trinity College, Dublino. Il professor Samuel Solomon chiede ai suoi studenti una proposta alternativa poetica all'inferno di Dante, di cui sono stati letti dei brani in aula. Il professore è molto popolare tra gli studenti e ha anche una relazione segreta con una delle sue studentesse, Beatriz. La ragazza però soffre la clandestinità della relazione e si fa promettere da Solomon che lui l'amerà per sempre. Ottenuta la promessa, Beatriz va in bagno e si taglia le vene, suicidandosi. Un anno dopo, Solomon è ancora devastato da quanto è successo. Racconta alla collega Susan Gilard - l'unica che gli dimostra simpatia e comprensione - lo strano e terrificante incubo che ha da circa tre settimane. Solomon è convinto che l'incubo non abbia niente a che fare con il lutto che l'ha colpito. Susan è più dubbiosa.

Spendere menzioni particolari su Balaguero è inutile.
Attualmente non mi stancherò mai di dire che è uno dei maggiori registi europei horror contemporanei.
La settima musa sembra essere quella possibilità che seppur mi è piaciuto, ho trovato difettosa nella politica di intenti del regista. Un film con un plot molto bello che purtroppo sembra una versione mediocre di un libro di Dan Brown. Mi rammarico molto di ciò, ma il film che ha tanti aspetti travolgenti e funzionali, sembra da un lato distante rispetto all'occhio del regista, come se ci fosse entrato per metà e l'altra sia rimasta in un limbo ad osservare le muse predatrici che divoravano lentamente la sua opera.
Torniamo alle radici, ai rituali antichi, ad una parte di paganesimo mai riconosciuto, allo sposare aspetti folkloristici con una mitologia poco conosciuta che negli ultimi anni sta tornando in auge.
Unire le muse, darne sette esempi diversi di come la Grande Madre sembra vedere e sapere ogni cosa. Un film che parte con un bell'incidente scatenante, supportato da una fotografia e una soundtrack emozionante.
I dettagli sono importanti così come la narrazione che viene sviluppata in maniera lenta e adeguata portando lo spettatore quasi inconsciamente di fronte ad un uovo sacro e infine nella discesa agli inferi. Consistenti astrazioni filosofiche e letterarie servono a creare dubbi e a dare enfasi ad una trama molto articolata, per fortuna riesce ad essere quasi sempre chiara, pur avendo dei colpi di scena o degli sviluppi a volte piuttosto scontati.
Lasciando alcune porte aperte, come è giusto che questo genere alle volte faccia, per non dover raccontarci tutto, Balaguero dimostra come non abbia perso assolutamente il talento, la passione e il desiderio di narrare storie originali, qui che chiamano in cattedra diversi topoi narrativi e letterari, riuscendo però a far coincidere quasi tutto e dando un fascino alla storia e a queste muse che raggiungono i punti più alti proprio quando non si ricorre al sangue, alla tortura o alla violenza.

Terrifier


Titolo: Terrifier
Regia: Damien Leone
Anno: 2017
Paese: Usa
Giudizio: 3/5

Il sadico Art the Clown non è morto. Gira ancora per le strade deserte di Miles County con il suo vestito da pagliaccio e il suo trucco inquietante, portandosi sulle spalle un grosso sacco nero della spazzatura pieno di chissà cosa. Ogni notte di Halloween si diverte come un matto a massacrare chi incontra per strada. Questa volta è il turno di due amiche appena uscite da una festa che si ritroveranno chiuse con Art the Clown in un vecchio edificio abbandonato.

Terrifier adempie al suo scopo. Uno slasher con tanto sangue, per fortuna pochi dialoghi, e una buona messa in scena senza fronzoli o accessori particolari.
Un clown che gira squartando tutti perchè non sa come passare il tempo.
Diciamo che Leone è da tempo che insegue questo personaggio facendolo vivere all'interno di corti , poi lunghi e infine quest'ultimo, decisamente il migliore, dal momento che il film come la trama avanza senza nessuna pretesa con il risultato di non richiedere nessuno sforzo mentale allo spettatore se non quello di seguire un pagliaccio che squarta tutto e tutti.
Il trucco del film è quello di vedere brutalizzare tutte le vittime ad opera del clown assassino dandogli quell'atmosfera vintage come un film anni'80 con la solita fotografia satura e patinata tutta tendente ai colori scuri con abbondanza di nero e rosso.
Un film che ha il solo compito di intrattenere, senza guizzi di sceneggiatura o particolari colpi di scena. Il climax finale seppur telefonato risulta funzionale come tutta una serie di efferatezze estreme molto succulente per gli amanti del genere.




mercoledì 6 febbraio 2019

Bomb city


Titolo: Bomb city
Regia: Jameson Brooks
Anno: 2017
Paese: Usa
Festival: Seeyousound
Giudizio: 4/5

Nell'inverno del 1997 ad Amarillo in Texas, zona di mucche, petrolio, football e terre sconfinate, Brian Deneke è noto per i suoi capelli verdi, il collare per cani al collo e la sua passione per la musica punk, che suona insieme agli amici in un locale di bassa lega noto come Bomb City. Come molti punk della zona, si rifiuta di conformarsi alla cultura conservatrice che li circonda e spesso finisce con lo scontrarsi con i giovani come Cody Cates, giocatore di football maldestro e alla ricerca continua di guai. Dopo una partita di football, gli alterchi tra i punk e Cody e i suoi amici accendono una violenta notte di strada, destinata a divenire tristemente famosa.

Seeysound è stata una rassegna dove il cinema e la musica avevano davvero bisogno di comunicare qualcosa andando quasi sempre a braccetto. I risultati sono stati molto altalenanti, ma questo film, un esordio tra le altre cose, è un pugno allo stomaco di rara ed estrema lucidità, nel saper narrare un fatto di cronaca avvenuto ma raccontato come se fosse il figlio sporco di Walter Hill.
Il più bel film sul fenomeno del punk, sui suoi protagonisti, sugli ambienti, sul Texas e sulle mode e il messaggio sociale della società rivolto a questi strani "anticonformisti" in contrapposizione con i joks, fazioni diverse ma facenti parte entrambi della stessa provenienza sociale ovvero la middle class americana.
Un film molto intelligente che si discosta da molti coetanei prendendo subito una deriva legata alla critica di una società con un perverso sistema giudiziario-penale.
La tecnica tutta a telecamera a mano ricorda il primo Montiel, creando e aumentando quel senso di caoticità con dialoghi onnipresenti e una sound track di quelle che restano impresse.
Uno dei migliori film dell'anno, non un cult ma quasi, nel non prendersi mai alla leggera creando un forte dramma sociale interpretato in maniera ottima e diventando un film che per forza di cose ha fatto discutere e forse lo farà ancora.
Bomb city è un viaggio emotivo intenso e per alcuni versi straziante soprattutto nella crudele mezz'ora finale.

Motorrad


Titolo: Motorrad
Regia: Vicente Amorim
Anno: 2017
Paese: Brasile
Giudizio: 2/5

Un gruppo di motociclisti decide di andare a percorrere insieme un percorso mozzafiato. Ma il viaggio si rivelerà pieno di insidie e ciò che sembrava meraviglioso si trasformerà in un incubo.

Motorrad pur essendo una sorta di slasher con le moto non riesce a regalare nulla di più.
E diciamolo in un'era dove il cinema riesce nonostante tutto ad essere la forma d'arte più dinamica e multiforme, un prodotto come questo ricicla perfettamente alcuni canoni del cinema di genere senza però riuscire ad avere qualcosa di innegabilmente suo.
A partire dal cast dove gli attori non funzionano, troppo inespressivi, per assurdo sembrano più animati la gang dei motociclisti che non tolgono mai i caschi, impazziti i quali girano con il solo gusto di uccidere anche qui senza una logica che ne descriva motivazioni o intenti.
Motorrad è basato sul lavoro del fumettista Danilo Beyruth che ha collaborato molto con la Marvel. Il risultato è un'operazione che sicuramente si presta molto di più nella grapich novel che non nel cinema, o forse è Amorim che non riesce a coglierne le potenzialità facendolo diventare presto un film trascurabile con un ottimo reparto tecnico dietro, dove a dare lo spessore maggiore è la fotografia, una palette cromatica desaturata tutta strutturata sul grigio metallico.


lunedì 24 dicembre 2018

Like me


Titolo: Like me
Regia: Robert Mockler
Anno: 2017
Paese: Usa
Giudizio: 4/5

Una ragazza, solitaria e spericolata, è alla disperata ricerca di relazioni umane. Vagando per la città s'imbatte in un'onda di criminalità che trasmette prontamente sui social. La sua realtà scivola rapidamente in un incubo surreale che ben presto sfuggirà ad ogni controllo.

L'indie quello che non ti aspetti. Una piccola perla post contemporanea capace di tessere all'interno elementi di natura sociologica, erotica, politica. Un dramma, una commedia, un thriller, un road trip allucinato, un viaggio psichedelico nella mecca della sostanza. Un film drogato con pochi allucinogeni ma tante idee e la capacità di metterle in scena.
Insomma Like Me è quel film che non ti aspetti, tipico prodotto da festival, che nonostante tutto se lo sono corteggiati in molti. Un film davvero ricco di avvenimenti, temi, scene e scelte originali, dotato di musiche, cast e montaggio scoppiettanti. Un film ripeto molto contemporaneo che parla soprattutto di solitudine, di social, di like, di cose non dette ma mostrate, del fascino di dover disturbare la rete con contenuti violenti e al limite della tollerabilità come ultimo baluardo per un'identità sempre più slegata e in preda alla noia e al non sapere in cosa credere.
Mockler strizza l'occhio a Korine, Araki, il suo cinismo attraverso una critica mai così essenziale è ovvia e sembra quasi post apocalittica in cui parlare soprattutto di valori in questa epoca è obsoleto, così come la vita umana che ha perso ogni valore e c'è la si gioca a botte di video estremi.
Un film che non è stato colto nella sua interezza e nella sua profezia mai così ludica e chiara.
Spero che Mockler continui la sua esamina.
La società per come la vede il registra, sembra essere gemellata con la mia,

Manuel


Titolo: Manuel
Regia: Dario Albertini
Anno: 2017
Paese: Italia
Giudizio: 3/5

Manuel, al compimento dei diciotto anni esce dall'istituto per minori privi di un sostegno familiare e deve reinserirsi in un mondo da cui è stato a lungo lontano. Sua madre, che è in carcere, può sperare di ottenere gli arresti domiciliari solo se lui accetta di prenderla in carico. Si tratta di una responsabilità non di poco conto.

Roma. Un altro film di formazione, di redenzione che pulsa attraverso il suo impegno nel sociale.
Casa famiglia, madre in carcere, maggiorenne affascinato dalle sostanze, adolescente dal cuore puro, assistenti sociali che sembrano tagliati con l'accetta, legali compassionevoli e poveracci costretti a vivere tra i rifiuti.
In meno di '90 viene narrato tutto questo, visto sempre attraverso gli occhi del suo protagonista e cercando di lavorare su cosa spinge un giovane a scegliere la strada della legalità quando tutto sembra voler prendere un'altra strada.
In più Manuel è solo e tutti i suoi demoni dovranno trovare pace grazie alle sue abilità e la scelta di perseguire un obbiettivo per realizzare se stesso e liberare sua madre.
"Spesso quando si hanno storie difficili si cresce prima" come Manuel confida all'assistente sociale.
Il merito maggiore del terzo film di Albertini è quello di non esibire ancora una volta una vittima della società che lo spettatore deve compatire dall'inizio alla fine.
L'immagine finale scandisce bene questo concetto.
Manuel è uno dei tanti che vivono una situazione al limite che sta diventando sempre più spesso una prassi comune per chi vive in determinati contesti o ha la sfortuna di dover pagare a caro prezzo gli errori dei genitori.
Lo spettatore può commuoversi solo assieme a Manuel in quel momento in cui sembra soffocare dopo aver vinto una lotta che lo ha messo di fronte ai suoi fantasmi.



sabato 15 dicembre 2018

Affido-Una storia di violenza


Titolo: Affido-Una storia di violenza
Regia: Xavier Legrand
Anno: 2017
Paese: Francia
Giudizio: 3/5

Miriam e Antoine Besson si sono separati malamente. Davanti al giudice discutono l'affidamento di Julien, il figlio undicenne deciso a restare con la madre. Ma Antoine, aggressivo e complessato, vuole partecipare alla vita del ragazzo. Ad ogni costo. Il desiderio, accordato dal giudice, diventa fonte di ansia per Julien, costretto a passare i fine settimana col genitore. Genitore che contesta col silenzio e combatte con determinazione. Julien vorrebbe soltanto proteggere la madre dalla violenza fisica e psicologia che l'ex coniuge le infligge. Invano, perché l'ossessione di Antoine è più forte di tutto e volge in furia cieca.

Affido-Una storia di violenza è un film che fin da subito prende una piega insolita. Decide di schierarsi, di prendere una posizione puntando il dito verso le responsabilità genitoriali, l'affido, materia sempre complessa, e due genitori profondamente afflitti e consumati dalla rabbia.
La Francia da sempre tratta temi sul sociale senza dover compiacere il pubblico ma prediligendo una linea dura, come d'altronde è la realtà, in questo caso facendoci scoprire fin dove può spingersi il controllo e il comportamento coercitivo di un padre che nella scena finale deraglia completamente ogni parvenza di normalità, facendo diventare l'esordio di Legrand, un incubo in cui solo la determinazione di Miriam può fare sì di proteggere i suoi figli.
"Facciam fatti" diceva Jacopone da Todi e sembra per certi versi la regola che il regista sviluppando il cortometraggio pluripremiato, ha cercato di mantenere costante per tutta la durata del film, facendo sì che le azioni predominassero sui dialoghi e le immagini mostrassero più delle parole.
Gli intenti del regista appaiono per certi versi con una marcia in più rispetto a tanti altri film che trattano temi sociali e in particolare la famiglia. Qui come dicevo tutto viene rappresentato, in particolar modo la violenza disperata e intenzionale come potrebbero essere i comportamenti di Antoine come conseguenza dell'aver perso ormai ogni contatto con la realtà.
Vincitore del premio come miglior regista alla Mostra di Venezia, Affido, alza la posta, mostrando una violenza ancora più inesorabile e cruda rispetto ad altre manifestazioni viste in passato.
Nel climax finale la furia di Antoine sembra quella di Jack Torrance.


Wicked Gift



Titolo: Wicked Gift
Regia: Roberto D'Antona
Anno: 2017
Paese: Italia
Giudizio: 3/5

Ethan ha dei sogni spaventosi. Lo psichiatra lo rassicura: i sogni sono solo un fenomeno psichico, non hanno un significato. Quello che si può dire, sostiene, è che probabilmente sono associati alla sua solitudine, al fatto che ha paura. Ethan infatti vive solo ed è introverso. Al lavoro - si occupa di grafica pubblicitaria e siti web - ha un socio, Andrea, che è l'unica persona di cui si fida. A Ethan piace Alice, avvenente barista, e in quel senso le cose sembrano andare per il verso giusto. In ufficio, Ethan discute dei suoi sogni con Andrea, che è propenso a credere all'esistenza di qualche entità soprannaturale e, in particolare, alle maledizioni. Il giorno dopo, Ethan e Andrea sono a un corso d'aggiornamento.

Ed eccoci all'esordio di D'Antona, che poi proprio esordio non è dal momento che prima di questo film ha esordito con svariati corti, una serie e altro ancora. Fino all'inferno il suo secondo film è un'opera citazionista che mi ha divertito abbastanza e ha dimostrato il talento e tutte le migliorie apportate al film. Wicked Gift è più complesso poichè non è proprio un horror ma un thriller di genere che cita diversi registi della nostra tradizione e mischia il tutto con il j-horror nipponico a cui il film elargisce tante strizzate d'occhio. Una buona messa in scena, un montaggio che assieme alla colonna sonora rimangono i punti di forza a dispetto di alcune prove attoriali non proprio convincenti e alcuni dialoghi eccessivamente prolissi.
Rimane un film meritevole che per essere nel girone degli indie low-budget italiani cerca di prendersi sul serio rispetto ad altri suoi simili grazie, credo, agli intenti del regista che lasciano ben sperare contando la mano e l'attenzione per i particolari che mi ha davvero stupito.
Nella limitatezza dei mezzi, il regista e la sua troupe che rimangono per ora anche nei film successivi, sono riusciti a far decollare le ambizioni di questo film, rendendolo un prodotto comparabile con tutto il panorama degli horror indipendenti.
Wicked Gift è la sfida e poi la prova che dalla dimensione amatoriale del fan-film, D'Antona è riuscito ad essere proiettato nel professionismo. Per meritocrazia pure. Quasi un miracolo di questi tempi.

mercoledì 5 dicembre 2018

End of fucking world



Titolo: End of fucking world
Regia: Jonathan Entwistle, Lucy Tcherniak
Anno: 2017
Paese: Gran Bretagna
Stagione: 1
Episodi: 8
Giudizio: 4/5

Due ragazzi diciassettenni, James, che è abbastanza sicuro di essere uno psicopatico e Alyssa, che è una ragazza ribelle, lunatica e insoddisfatta della sua vita, decidono insieme di scappare, intraprendendo un viaggio sfortunato per sfuggire dagli schemi delle loro noiosissime vite

Al di là di Netflix o meno un buon cinefilo sarebbe comunque entrato in contatto con il mondo di Charles S.Forman. Il suo cinismo per alcuni aspetti mi ha ricordato alcuni personaggi dei romanzi di Palahniuk.
Deliziosamente fantastica. Ebbene sì la mini serie di otto episodi dalla durata di venti minuti (yeah) già mi sembrava un elemento meritevole di attenzione per quanto ormai sempre più le serie tendano a dilatarsi anche quando non c'è ne bisogno in modo ridondante ed eccessivo.
Quindi cercare di attenersi solo agli eventi macro e ad un montaggio che imbastisce quanto di più sintetico il regista voglia raccontare mi sembrava un ottimo punto di partenza.
Se ci mettiamo poi che come per MISFITS i talenti adolescenziali non mancano e il coprotagonista di Ghost Stories ci da la prova di essere davvero un attore giovane e folle assieme alla fanciulla, decisamente una spalla in meno, entrambi sembrano fin dal primo episodio indossare quello sguardo o quelle lenti attraverso cui affrontare la realtà e il concetto di "normalità".
Ironia, cinismo, violenza, non sense, dialoghi parecchio sbottati e infine un bisogno di dire ciò che si prova e si pensa in qualsiasi momento senza aver paura delle conseguenze.
Bonnie and Clyde in salsa post-contemporanea. Un duo che rischia di mettere a ferro e fuoco qualsiasi adulto volenteroso di ricoprire un ruolo paterno o materno mancato...
Perchè il processo di riconoscimento in questi due protagonisti avviene in maniera così subitanea? Ma è molto semplice perchè mantenendo un setting molto realistico i due protagonisti, così strambi altro non fanno che rappresentare i nostri istinti primordiali quando vorremmo farla pagare ai nostri vicini o a qualsiasi scimmia per i più futili motivi.
Loro sembrano farlo per davvero per poi scappare e cercare di nascondere il misfatto.
La fine dell'adolescenza diventa quel deserto fatto di un percorso alternativo di scelte non sempre volute e legate all'impulsività soprattutto di James che più di Alyssa non sa stare nel suo ruolo di adolescente, quando lei invece ha quella paura che lui riesce diametralmente a demolire prima che la faccia entrare in crisi.
Un manifesto che potrà far non piacere ad un pubblico benpensante che vuole prodotti che siano gli stessi figli ad inneggiare a manifesto scegliendo loro i personaggi, come devono essere e quando fargli morire, in base ai loro pessimi canoni estetici. Qui invece abbiamo due fragilità che si sposano a pennello con una società sempre più alienante, competitiva e spoglia di qualsiasi valore.


A prayer before dawn


Titolo: A prayer before dawn
Regia: Jean Stephane Sauvaire
Anno: 2017
Paese: Gran Bretagna
Giudizio: 3/5

Billy Moore è un giovane boxer inglese che combatte incontri clandestini in Thailandia. Non sappiamo perché si trovi lì, né perché si sia dato alla boxe, ma lo vediamo combattere, bere e fumare crack in un crescendo autolesionista e trasgressivo che culmina inevitabilmente in un arresto da parte della polizia locale. Ed è il suo ingresso all'inferno: nel carcere la violenza si consuma nella totale indifferenza delle guardie, e brutalità di ogni tipo stabiliscono il sistema gerarchico alla cui sommità si trovano belve umane tatuate dalla testa ai piedi che torturano i loro sottoposti in tutti i modi possibili.

A prayer before dawn è un prison movie robusto e anti convenzionale che ci porta in lande sconosciute e ci abbandona come un sacco di rifiuti in mezzo a scorie radioattive.
A differenza di molti altri film, il regista è interessato a monitorare in modo piuttosto dilatato e quasi senza azione, il micro cosmo, la sub cultura che si è impossessata delle carceri thailandesi con tutte le loro regole e i codici criminali.
Una prova che non si basa sulle solite azioni o sul revenge movie o su rivolte (i temi spesso più abusati nel sotto genere) ma mostra la dipendenza e le regole all'interno delle mura carcerarie. L'annichilimento di uomini che per riuscire ad ottenere la dose diventano oggetti di altri uomini (la scena dove uno di loro viene sodomizzato da tre boss è raccapricciante).
In tutto questo panorama dove la salvezza, l'onestà e qualsiasi valore sembra ormai aver abbandonato chiunque, Billy cerca di sopravvivere a suo modo confrontandosi con l'altro culturale e cercando fino alla fine di mantenere alta la dignità, data la sua diversità che lo pone come l'unico fantasma bianco in mezzo alla massa.
Una preghiera prima dell'alba è tratto dall'autobiografia omonima di William "Billy" Moore che ha dato minuziosa contezza della sua odissea carceraria

What Keeps you alive



Film: What Keeps you alive
Regia Colin Minihan
Anno: 2017
Paese: Canada
Giudizio: 3/5

Montagne maestose, un lago tranquillo e tradimenti velenosi inghiottono una coppia sposata che tenta di celebrare l'anniversario di matrimonio.

Colin Minihan è un regista canadese con 5 o 6 film all'attivo e diverse collaborazioni.
Il primo film in cui mi ero imbattuto era qualcosa di quasi vergognoso di nome Extraterrestrial
uno dei quei film che lo guardi e ti fai il segno della croce sperando che il mestierante non metta più mano su una telecamera.
Così non è stato. Il film in questione è un indi per certi versi molto anomalo dove la trama seppur non così originale riesce ad entrare nella psiche dello spettatore e da lì in avanti il film riesce dalla sua a trovare diversi elementi d'interesse.
Una coppia di lesbiche, una casa nella montagna sperduta, una coppia di vicini che sembrano conoscere una di loro e tante domande e misteri che la scrittura riesce bene a dosare senza rivelare tutto se non nel climax finale, piazzando almeno due scene difficili da dimenticare ( per chi come me soffre di vertigini dovrà fare molta attenzione).
Una carneficina che viene affrontata e messa in scena in modo atipico, dove l'azione e la violenza ci sono, ma sembrano sempre secondari alla psicologia dei personaggi e al genere che il film sembra scegliere, un mix tra giallo e thriller.
Le protagoniste entrambe riescono a trasmettere con le loro paure e i disagi quelle sensazioni che reggono per tutto il film e l'apoteosi di cattiveria messa in atto da una di loro non sembra poi così forzata di questi tempi, ma anzi ricalca diversi fatti di cronaca recenti.
Un film molto lento, con tantissimi primi piani, dialoghi dosati e la macchina da presa sempre sul punto di farci vedere il crollo delle protagoniste, in una storia che piano piano s'intensifica mettendole faccia a faccia in un duello mortale.
Un film molto indipendente che come stile di narrazione e messa in scena mi ha ricordato un altro film sconosciuto e da vedere assolutamente per i fan del genere, ancora più bello, di nome Butter on the latch



Tito e gli alieni



Regia: Paola Randi
Anno: 2017
Paese: Italia
Giudizio: 3/5

C'è un professore napoletano nel deserto del Nevada che spende la vita ad ascoltare il suono dello Spazio alla ricerca di una voce. La voce cara della consorte morta diversi anni prima. Scienziato mesto a un passo dall'Area 51, segue un progetto, o almeno dovrebbe, per conto del governo degli Stati Uniti. Il suo torpore esistenziale è interrotto quotidianamente da Stella, giovane wedding planner per turisti che credono ancora agli alieni. Un pacco postale e una registrazione video gli annunciano un giorno l'arrivo di Anita e Tito, preziosa eredità del fratello morto a Napoli. Introverso e laconico, il professore si attrezza, letteralmente, per accogliere i nipoti. Anita ha sedici anni e sogna un tuffo in piscina con Lady Gaga, Tito ne ha sette e desidera sopra a ogni cosa parlare ancora col suo papà. Sorgenti formidabili di nuova energia, Anita e Tito riavvieranno il programma e il cuore dello zio.

Qualcuno ricorda Leggenda di Kaspar Hauser il cult italiano di Davide Manuli praticamente sconosciuto al genere umano. Ecco non saprei spiegare il motivo ma il terzo film della Randi per il suo essere totalmente slegato da tutto e artisticamente molto alternativo ha qualche piccolo aspetto in comune.
Location desertica e abbandonata, un cast tenuto in piedi da Mastrandrea e una storia abbastanza originale e di sicuro atipica.
Sembra quasi un'opera filosofica dove la speranza diventa il centro nevralgico del film.
Un'attesa nella fattispecie in cui ogni maledetto giorno potrebbe/dovrebbe arrivare o giungere un segnale dall'universo che dona il senso della durata del lutto. Ascoltare ogni notte in laboratorio la stessa traccia registrata sulla segreteria telefonica e misurare la forza della fissazione mortale.
Dalla solitudine iniziale del suo protagonista, il professore, che sembra l'unico ormai a credere in quell'assurdo progetto subisce ormai ai limiti della stanchezza e delle sopportazione l'arrivo di qualcosa che andrà a modificare la sua vita, le abitudini e gli agenti esterni con cui interagisce.
Un film che dalla metafora della ricerca degli alieni parla di sofferenza e solitudine e cerca in modo a volte ironico uno scontro generazionale tra chi ormai è abituato alla rinuncia e alla perdita e invece i giovani d'oggi che nella loro fretta e curiosità riescono a creare quel conflitto che può portare ad un cambiamento.