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giovedì 14 dicembre 2017

Les Affames

Titolo: Les Affames
Regia: Robin Aubert
Anno: 2017
Paese: Canada
Festival: 35°Torino Film Festival
Giudizio: 4/5

Un gruppo di sopravvissuti deve affrontare un'apocalisse zombie nelle campagne del Quebec, tra boschi, prati, e case isolate.

Les Affames è l'ennesimo film di zombie che racconta l'itinerario di un gruppo di sopravvissuti.
L'idea è praticamente quanto di più comune abbiamo visto negli ultimi anni e fin qui sembrerebbe un film come un altro se non fosse che Aubert sembra essersi studiato attentamente ogni inquadratura. Il ritmo nonchè l'azione divora letteralmente i protagonisti, gli zombie e gli spettatori. Con alcune leggere tamarrate come la mattanza di Celine che senza stare a spoilerare è pura adrenalina al femminile con un finale nel bosco che provocherà qualche lacrimuccia.
Les Affames più si narra e più assume contorni e intenti sempre più interessanti in primo luogo da un'atmosfera tesa e rarefatta, in cui sembra esserci sempre uno strato di nebbia come a lasciare tutto in uno stato di sospensione. Esistenzialista, grondante sangue e con livelli di gore molto alti, ad un tratto c'è un vero e proprio geiser di sangue, il film riesce come dicevo a non sembrare ripetitivo, visto il tema, non è un caso che sia canadese dal momento che molti registi indipendenti, soprattutto nell'horror post contemporaneo vengono proprio da quei territori inesplorati e intatti.
Dicevo che l'atmosfera ma anche il senso di sconforto prevale tra tutti, i dialoghi ridotti, il passato che non emerge se non da espressioni intrise e colme di sofferenza con diversi momenti costellati da battute sferzanti e intrise da un ferocissimo humour nero.
Il film ad un tratto, dal secondo atto in avanti, prende una piega vagamente surreale con i non morti che costruiscono un vero e proprio totem che ricorda quanto di più bello scritto dal sociologo francese Durkheim sull'argomento.


Beach Rats

Titolo: Beach Rats
Regia: Eliza Hittman
Anno: 2017
Paese: Usa
Giudizio: 3/5

Beach Rats è la storia di Frankie, un giovane bello e alla deriva che trascorre le giornate con gli amici del quartiere, una periferia in cui domina il machismo. Il ragazzo è sessualmente confuso ma sa che la soluzione non è la condivisione bensì la mortificazione.

"Se lo fanno le donne è sexy, se lo fanno gli uomini è gay" il gesto ovviamente è quello di baciarsi...
Beach Rats è un film vibrante, minimale e molto passionale che racconta il coming out di un ragazzo in una situazione tutt'altro che semplice in un gruppo di pari che non sembra comprendere la sua scelta (che poi sarà davvero tale?)
Proprio da questo spunto il film ad un certo punto si smarca in maniera funzionale, dal secondo atto, facendo intendere un campio di prospettiva, proprio visto dagli amici (sul cyber-bullismo), che la sceneggiatura decide di non seguire concentrandosi in tutto e per tutto su Frankie.
Interessante come il regista segue assiduamente il suo protagonista senza di fatto staccarsi mai da lui ma diventandone un prolungamento tra le chat room in stanza alla scoperta di qualcosa di nuovo, alle timide ritirate con la "ragazza" dovendo dimostrare agli altri la sua scelta sessuale.
Un film che non ama e non predilige particolarmente i dialoghi preferendo i silenzi e gli sguardi assorti come a dare una spiegazione di quanto avviene.
Un tipico indie da festival, un film con tematiche queer che riesce a colpire per la sua profondità partendo dalla routine quotidiana dei ratti da spiaggia finendo per incupire sempre di più, domandandosi con delle trovate quasi pasoliniane e con uno stile secco e asciutto cosa fare della propria vita e di quanto è importante l'apparenza ai giorni nostri per i giovani.

Un film che parla di omosessualità trovando aperture nuove senza regalare nulla, senza esagerare con i sentimenti, tant'è che alcune scene riescono ad essere abbastanza crude e dotate di delicatezza, trovando a mio dire una contro tendenza su come vengono analizzati i valori e le scelte che portano il protagonista a prendersi le sue responsabilità sapendo dove lo porteranno...il futuro non sarà roseo

Firstborn

Titolo: Firstborn
Regia: Aik Karapetian
Anno: 2017
Paese: Lettonia
Festival: 35°Torino film Festival
Giudizio: 2/5

I coniugi Francis e Katrina vivono un momento di difficoltà perché non riescono ad avere figli. Un giorno vengono presi di mira da un delinquente che umilia Katrina e poi li rapina. Per smarcarsi dalle accuse della moglie, che gli rimprovera di non aver reagito, Francis si mette sulle tracce dell’assalitore e durante una colluttazione ne causa la morte. Francis riesce comunque a dimostrare la propria estraneità al fatto e per di più, poco dopo, Katrina gli annuncia di essere incinta. Qualcosa però non torna in questa apparente felicità, e ben presto un pacco anonimo lo conferma.

La tragedia di un uomo ridicolo. Firstborn si interroga o meglio interroga gli uomini su una situazione piuttosto peculiare e che tendiamo a sottovalutare: la debolezza e il sentimento di impotenza soprattutto se non riusciamo a difendere nostra moglie dall'attacco di un ragazzo più giovane.
L'anno scorso il timido Karapetian approdava al festival con il suoTHE MAN IN THE ORANGE JACKET un revenge-movie appena interessante che serviva al regista per cercare di affinare un suo stile personale. Questo suo terzo lungometraggio sembra proprio cercare di arrovellarsi ancora di più nella psicologia del suo protagonista, cominciando in maniera anche delirante a mischiare realtà, sogno e paranoie. Il problema è quando la trama comincia a non funzionare diventando macchinosa e piena di buchi. Il dato peggiore è che il film avendo pure pochissimi personaggi riesce a perderseli come lo strano tipo nel bosco che rimane lì senza un senso compiuto, il secondo tentativo di saccheggio da parte del piccolo ladruncolo stona di fatto senza aggiungere nulla a parte i dubbi.
Pur cercando di creare momenti di pathos, ritmo, lentezza e alcuni disarmanti momenti di quasi non sense (la creatura dai sei occhi rossi) le scene di sesso, il fantasma che scompare e riappare con o senza stampelle, il film deraglia precipitosamente come nella paranoia del protagonista (poteva essere interessante questa sorta di limbo in cui veniamo proiettati assieme a lui).
Purtroppo è un film che non è riuscito a darsi sostanza cercando di creare un'atmosfera rarefatta e solo in pochissimi casi funzionale allo stile che il regista ha cercato di dare al film.
Peccato perchè lo sforzo del cast non era affatto male, il protagonista ha una ghigna che lo fa sembrare realistico al punto giusto creando in più momenti un'imbarazzante empatia con lo spettatore.



Bamy

Titolo: Bamy
Regia: Jun Tanaka
Anno: 2017
Paese: Giappone
Festival: 35°Torino Film Festival
Giudizio: 2/5

È da tempo che Ryoa vede con i propri occhi degli oscuri fantasmi: sul posto di lavoro, nelle stanze della propria casa, alle spalle della sua preoccupata ragazza. Fumiko, compagna del giovane Ryota e presto sua sposa, non riesce a comprendere l’atteggiamento distratto di quell’inquieto fidanzato, sempre con la mente volta da un’altra parte e in grado di discolparsi solamente attraverso incomprensibili scuse. Le cose per il ragazzo sembrano però cambiare grazie all’incontro con Sea Kiruma, anche lei afflitta dall’incomprensibile sciagura legata ai fantasmi e per questo occasione per Ryota di sentirsi meno incompreso. Ma i rapporti tendono ad essere fragili, e un destino superiore sembra intento a disegnare per il protagonista percorsi differenti.

L'immagine che più mi è rimasta impressa di questo film è quella d'apertura.
Per un attimo ho avuto le vertigini sperando di trovarmi di fronte a qualcosa di nuovo, un autore che nei suoi silenzi sapesse comunicare meglio di molti altri registi mischiando thriller, dramma psicologico e j-horror. Così non è stato.
Saliamo su un ascensore che sembra arrivare fino in cima al cielo. Qui sale una persona e poi l'ascensore scende e il film è un po tutto così.
A parte questo breve intro, il film del regista nipponico e alquanto strano o meglio singolare nel girare su se stesso con queste visioni che non fanno neppure paura ma anzi sembrano una sorta di strana convivenza tra fantasma e protagonista per non si sa quale strana ragione.
Ad un certo punto i personaggi attorno a lui e la ragazza cominciano a preoccuparsi...ed era ora forse...è così anche il pubblico che sembra assolutamente distante da questo film indipendente e senza degli intenti precisi o degli obbiettivi che possano risultare almeno interessanti comincia a chiedersi se non sia tutto un sogno del regista ma il piano metacinematografico qui non c'entra proprio nulla (purtroppo).
Qui predomina il vuoto in una sorta di film personale, un esercizio di stile, anche se la tecnica (ottimi alcuni movimenti di macchina) sembrano in alcuni casi amatoriali.

L'ascensore iniziale non sembra salire da nessuna parte. Ombrelli che volano da soli, poteri sovrannaturali che avvengono senza nessun motivo, la capacità di vedere i fantasmi che rischia di diventare quasi tragicomica o trash come in alcune scene (quelle sul posto di lavoro per cui Ryoa si rifiuta di salire sui container perchè lì seduto c'è il fantasma che lo fissa). Con pochissimi soldi, circa seimila euro, Tanaka ha voluto realizzare questo film molto personale, troppo forse, sul legame fra amanti predestinati in un percorso lento e noioso che non rimarrà impresso a nessuno.

Beau soleil interieur

Titolo: Beau soleil interieur
Regia: Claire Denis
Anno: 2017
Paese: Francia
Festival: 35°Torino Film Festival
Giudizio: 3/5

Artista parigina insicura dei propri mezzi ma di indubbio fascino, Isabelle, divorziata, è alla ricerca dell'amore che finalmente potrebbe assicurarle una vita rassicurante.

L'ennesimo film della Denis si avvale di un'altra sacerdotessa del cinema francese dopo la Huppert.
Juliette Binoche appare sempre più affascinante ed elegante col passare del tempo che per lei sembra essersi fermato e il pubblico non può che trarne gioia.
Il cinema della Denis tratto da un racconto "Frammenti di un discorso amoroso" di Roland Barthes è un film ricco di sfumature che potrebbe non finire mai addentrandosi in quelle lande scoperte e infinite dei rapporti di coppia, problematiche sentimentali indagate già in tanto cinema francese che riescono per qualche strana ragione a riuscire ad assorbire il pubblico pur trattando temi e scene di vita cui è facile assistere nel quotidiano.
Ci sono alcuni momenti che per qualche strana ragione mi sono rimasti impressi come l'insistenza finale del monologo di Depardieu, la scena di sesso della protagonista con l'ex marito e il "dito", eppure quel tormento e quella inadattabilità a qualcosa di continuativo e stabile sembra essere da un lato il punto fermo degli intenti del film ma anche il suo punto debole dal momento che ad un tratto pur avendo Isabelle come punto di riferimento, ilpersonaggio tende aad essere come la macchina sfuggevole, come lo schema corale che in alcuni casi si impossessa della pellicola passando in una rapida galleria di personaggi, amanti, ex, giovani intelettuali spensierati e infine quella strana voglia di ricominciare tutto da capo.

Alla fine Isabelle sconta da sola le sue pene, paga con il sesso e attrverso i corpi trasmettendo vibrazioni positive ma anche ansie e una fragilità mai così moderna come capita in questa società liquida.

Justice League

Titolo: Justice League
Regia: Zack Snyder
Anno: 2017
Paese: Usa
Giudizio: 1/5

Dopo la morte di Superman, l'umanità è sola e impaurita. Una minaccia antica torna a far sentire la sua apocalittica presenza. Batman prova a radunare individui speciali, dotati di superpoteri, per formare una squadra di protettori della giustizia: l'amazzone Wonder Woman, l'atlantideo Aquaman, il velocissimo Flash e il mutante Cyborg.

Che vergogna! Ormai la Dc dopo che ha scelto "Snyder il reazionario" come leader maximo sembra aver fatto una scelta che purtroppo sta pagando caro. Di certo non al botteghino.
In tempi di super eroi dove la Disney/Marvel ha guadagnato più di 5 miliardi solo con l'ultimo abominevole Thor, bisogna pensare che le cifre contano e non poco.
La Dc dal canto suo ha Batman, Superman, Lobo... e la sua filmografia a differenza della Marvel non è mai stata legata e con un senso compiuto nelle scelte (basti pensare a quanti Batman inutili e tremendi sono stati fatti) prima di arrivare alla saga di Nolan che è tutt'altra cosa superando pure i canoni Marvel).
Ora dimenticando GREEN LANTERN con quel cane di Reinolds, tornato stranamente di moda con il DEADPOOL della Marvel (si cambia velocemente scuderia pur di tornare in auge), dimenticando quel poco di buono che poteva esserci nel primo atto di WONDER WOMAN (il resto è davvero da dimenticare) e per non parlare dei successivi capitoli Snyder con MAN OF STEELE che voleva probabilmente citare Dragon Ball visti i combattimenti stile sayan e quella fetenzia totale di BATMAN VS SUPERMAN.
Ora però parliamo di JUSTICE LEAGUE che ho avuto l'onore di vedere al cinema.
Prima di tutto pur essendo una tamarrata fatta e finita, il film sembra prendersi pure sul serio da quando torna in vita Superman, in una scena tra il trash e il vattelapesca.
Tutti ma proprio tutti sono sopra le righe eccetto Ben Affleck che secondo me non era presente sul set ma con la testa da un'altra parte. Manca un leader e si vede, Miller cerca di divertire non riuscendoci, Momoa scimmiotta, Gadot è fica e basta, Cavill recita assieme ad Affleck con la mascella e alla fine il negro/cyborg Fisher è l'unico che prova a fare una bella figura almeno non sembrando un tamarro fatto e finito.
Un film tremendo a partire dalle devastanti citazioni che vanno dalla grande battaglia di mezzo dove anzichè nani, elfi e umani vediamo atlantidei, amazzoni e lanterne verdi.
Un nemico fatto così male che sembra una comparsa fatta con quello che avanzava della c.g de IL CACCIATORE DI GIGANTI, tutte le donne nel film non ci fanno assolutamente una bella figura e la Heard è solo la ciliegina sulla torta quando ci addentriamo negli abissi e nella voragine del campato in aria. Sempre a proposito dell'antagonista "Steppenwolf" (un nome una garanzia) e delle sue temibili armate aliene, alle porte succhiasangue, con un finale che mi ha lasciato così basito che volevo piangere sperando che almeno il finale non buttasse via tutto in modo così vergognoso.
E poi la trama, queste scatole che servono assieme a riportare l'oscurità è davvero di una povertà che nemmeno gli sceneggiatori dell'Asylum conoscono (qui è stata scritta a 14 mani praticamente ognuno ci ha butatto dentro qualche avanzo e idiozia) come a siglare una volta per tutte il poco e scarso interesse a scrivere qualcosa di almeno decente ma che invece mostra ancora una volta tutti i limiti di un progetto artistico incoerente, frettoloso e privo di una direzione artistica ben precisa.
Dal primo minuto all'ultimo sappiamo con certezza che niente andrà preso sul serio e soprattutto che a differenza degli studi Marvel estremamente epici e strappalacrime, qui si va verso il balordo.

A questo punto mi chiedo perchè? Perchè Snyder continua a fare film? E perchè mentre scrivo queste righe lui diventa sempre più potente e pieno di soldi? Perchè le scatole? Perchè ho paura che vedremo ancora sequel? e vi dico già da ora che prima o poi finiremo nella tamarria doverosa che si chiamerà Marvel vs Dc.  

M.F.A

Titolo: M.F.A
Regia: Natalia Leite
Anno: 2017
Paese: Usa
Giudizio: 2/5

Una studentessa d'arte viene violentata da un suo compagno di classe. Affronta il trauma come meglio può finchè decide di cominciare ad aprirsi anche con altre ragazze del campus. Scopre che molte di loro hanno subito una violenza sessuale e decide di vendicarsi a suo modo.

Continuano a cadere come fiocchi di neve pellicole piene di donne incazzate ed esplosive.
Una mattanza di uomini in puro stile da revenge-movie con poche scelte originali ma dando fondamentalmente toni diversi all'azione e niente di più colorandola in modi diversi e dandole un'attrice alle prime armi, figlia d'arte, ma già con una ghigna che sa esprimersi bene in macchina.
Forse Weinstein diventerà il nome di un sotto genere di film che vedono ragazze incazzatissime pestare a sangue chiunque trovino sulla loro strada facendosi come in questo caso beffe degli investigatori più idioti della storia del cinema.
Eh sì perchè a parte lasciar perdere la sospensione d'incredulità di fatto tutte le azioni di vendetta appaiono abbastanza irreali con un crescendo che ad un certo punto diventa la log line perfetta per iniziare un excursus sulla psicopatologia oltre ad essere alla fine di tutto uno slasher rape & revenge che sembra aizzare al farsi giustizia da soli che in america non è proprio argomento da stimolare.
La Eastwood figlia è brava riuscendo a spaccare la quarta parete con delle espressioni e una caratterizzazione da Lolita del male.
Niente dunque di nuovo e di speciale. Se l'aiuto non arriva dalla polizia e dalle istituzioni (in primis la scuola non ci fa una bella figura con una critica sul come non gestisca affatto questa problematica lasciandola solo in pasto alle vittime in un gruppo di sostegno) allora il fai da te diventa la new way.


sabato 9 dicembre 2017

Crescent

Titolo: Crescent
Regia: Seth A.Smith
Anno: 2017
Paese: Canada
Festival: 35°Torino Film Festival
Giudizio: 3/5

Una casa grigia si erge isolata su una costa. Una donna sola e devastata dal dolore vi si è rifugiata con il suo bambino di due anni. Dipinge, cura il bambino, passeggia in riva al mare. Di notte, dall'acqua emergono figure minacciose che la chiamano. Incubi o fantasmi concreti di un passato non sepolto. Sospeso tra surrealismo lynchiano e orrore psicologico, un racconto tormentoso sulla fatica di vivere.

Quando sento che figure minacciose emergono dall'acqua penso all'orrore cosmico, ai fomori, Oannes oppure al bellissimo film di qualche anno fa al Tff e sempre nella sezione After Hours EVOLUTION.
Crescent è un film d'atmosfera e di colori che si mischiano l'uno con l'altro per creare quelle contaminazioni che la protagonista cerca di portare avanti, in particolare la tecnica della marmorizzazione, tecnica di arte vista che ben si presta per sottolineare gli stati di sospensione spiritica dei protagonisti.
Una pausa. Un momento di riflessione per se stessi e per starsene in pace e tranquillità con il piccolo nascituro a poche ore dal funerale del marito/padre.
Ci sono luoghi però che richiamano il passato e soprattutto i fantasmi che esso provoca e in tutto ciò l'acqua, un certo tipo energia rilasciata dall'oceano, può ridare enfasi e vita a chi non c'è l'ha.
In tutto questo Beth cerca di dare una spiegazione ad alcuni strani e anomali eventi soprattutto di notte che la portano a diventare paranoica, sonnambula e mettere da parte il piccolo Lowen in quella che a tutti gli effetti risulta come un "limbo" che rischia di imprigionare le anime perse in attesa di raggiungere un luogo definitivo.
Proprio quando ci avvicinamo all'orrore che è però più legato all'inquietudine di aver paura che il bambino possa farsi del male da solo rispetto a Beth e alla ricostruzione di un passato/presente che si miscelano. Una contaminazione che proprio come i colori, trova in questa tecnica pittorica suggestiva che richiama tanto la video arte con alcuni eccessi di cura estetica davvero impressionanti oppure di questi strani ospiti tra cui una sorta di guardiano con una ghigna e una trasformazione finale funzionale e che richiama le creature degli abissi per non parlare dell'uomo pitturato o dell'uomo paguro.
Un film disturbante, minimale, che ripeto fa dei suoni e dell'atmosfera il suo punto di forza, rimanendo derivativo quando cerca di spiegare troppo o di svelare tutti coloro che emergono dall'acqua per una sorta di sacrificio finale.



Daphne

Titolo: Daphne
Regia: Peter Mackie Burns
Anno: 2017
Paese: Gran Bretagna
Festival: 35°Torino film Festival
Giudizio: 3/5

Daphne ha capelli rossi e anni ardenti che spende facendo sesso con gli sconosciuti e bevendo troppo, di tutto. Una notte, durante una rapina in un drugstore, assiste all'aggressione di un uomo che soccorre e poi archivia come i bicchieri e gli amanti occasionali. Fatta la deposizione in centrale, una poliziotta la informa che ha diritto all'assistenza psicologica. Daphne ci pensa su e poi decide di incontrare un terapista. Ma rielaborare i traumi non fa per lei, il matto è lui e se ne va. Fuori, in giro a tirare coca, a insultare i colleghi, a respingere la madre, Joe che la ama e David che vorrebbe solo conoscerla.

Daphne è una lezione di cinema furbetta e che sembra non andare in nessun dove all'apparenza.
Un film che sottolinea la monotonia, la quotidianità del voler rimanere come si è perchè tanto è così che vanno le cose. Sotto un'apparente superficialità e mondanità, la protagonista in realtà è più sensibile e profonda di quanto non sembri e i suoi gesti e le sue espressioni danno conferma durante l'arco della narrazione.
Rapporti superficiali, il sesso al posto dell'amore, il sogno di non poter o non voler mai avere una relazione stabile, una mamma che sembra lo specchio della figlia e una fatica a prendersi le proprie responsabiluità scappando appena di fronte si trova uno specchio come le sedute dallo psicologo.
Infine per equilibrare tutto e mettere a tacere i demoni personali, l'alcool, vero farmaco capace di sedare ogni male interiore all'apparenza, diventa la soluzione al problema.
Per 90' è tutto così passando dalla tavola calda (il lavoro) al pub (incontri occasionali) lo studio (psicologo) la casa (la mamma come amica/vicina) poi l'incidente scatenante (l'accoltellamento) e infine il cambiamento (il buttafuori).
Alcune scelte che potrebbero essere intellettualmente stimolanti come la lettura di Slavoj Žižek appaiono abbastanza slegate e lasciate al caso dal momento che vediamo la protagonista leggere il libro dello psicoanalista sloveno nel letto mentre ride e citarlo con un amico che non riesce a pronunciarne bene il nome (mi aspettavo un'analisi maggiore).
In tutto questo come dicevo prima la sbronza colossale in pieno giorno e l'espressione corrucciata come di chi è cresciuta prima degli altri sono gli immacabili effetti che non possono mancare a dare tono e risalto alla commedia.
Il regista quando ha presentato il film in concorso al Torino Film Festival a parte essere molto giovane è parso molto divertito. Quello che è riuscito a descrivere e raccontare meglio è proprio la situazione di post-contemporaneità in cui vive Daphne ovvero "tempi di crisi economica, dove le personalità si sfrangiano, rasentano l’instabilità, vivendo così intensamente e allo stesso frammentati da affezionarsi a un modello-non modello di vita in cui tutto è fra parentesi, rinviabile, rivalutabile, soggetto ad accettazione e successiva, rapida fuga". In questo forse un regista appunto giovane ha trovato il modo più alla mano per descrivere una tappa dell'età che ci vede protagonisti e con il bisogno di comunicare a nostro modo le mille difficoltà quotidiane.

Ecco Daphne in questo, anche se frammentato, sembra esserci riuscito.

venerdì 8 dicembre 2017

Aknyeo-The Villainess

Titolo: Aknyeo-The Villainess
Regia: Jung Byung-Gil
Anno: 2017
Paese: Corea del Sud
Giudizio: 3/5

Sook-Hee è una killer. Cresciuta e addestrata in Yanbian, in Cina, nasconde la sua vera identità e parte per la Corea. Lì sogna di avere un tipo di vita diverso, ma viene in contatto con due uomini misteriosi: Joong-Sang e Hyun-Soo.

Aknyeo aka The Villainess è sicuramente uno dei film d'azione coreani virato tutto al femminile destinato a far parlare di sè. Una bomba in tutti i sensi. Ovviamente senza uno straccio di distribuione qui da noi, il film è un vortice di combattimenti e sparatorie da far sembrare OLD BOY o LADY VENDETTA e HARDCORE, quello russo, delle commediole (i rimandi a questi due film sono impossibili da non fare) nonchè una certa estetica compositiva che sembra rimandare a Bong Joon-ho oltre che il pluricitato KILL BILL per quanto concerne la scelta della sposa, momenti che ricordano LADY SNOWBLOOD e l'estetica videoludica che mi ha ricordato tanto JIAKPAE.
Senza contare alcuni rimandi ad un certo cinema orientale più estremo dal genere Dnotomista o al cinema nipponico di Mitsutake e parlo ovviamente di GUN WOMAN.
Interessante, adrenalinico e se vogliamo anche abbastanza esagerato con queste musiche sparate al massimo e alcuni mirabolanti azioni e delle coreografie sempre più impressionanti, The Villainess, uno dei due attesissimo film a Cannes mostra però come spesso accade in questi film una trama derivativa come a ribadire per l'ennesima volta di come non servano plot narrativi per il cinema d'azione. Il regista in questo caso spinge al massimo nel primo atto, sparpaglia il più possibile flashback per tutto il secondo atto e infine nel terzo raccoglie ciò che ha seminato ovvero caos.
La sequenza iniziale first-person shooter è fatta così bene da meritarsi il top nelle classifiche di sparatorie degli ultimi anni, nemici a pioggia, iper-violenza, splatter e un ritmo davvero inesauribile come la vendetta che ancora una volta assale la protagonista.
C'è da dire però che forse i coreani più di tutti o tra i maggiori attualmente sono in grado di

mischiare eleganza estetica e intrattenimento mainstream in maniera mai troppo scontata e grossolana riuscendo a convivere reciprocamente senza fare a botte e regalando momenti di puro cinema d'intrattenimento e non solo.

Al massimo ribasso

Titolo: Al massimo ribasso
Regia: Riccardo Jacopino
Anno: 2017
Paese: Italia
Festival: 35° Torino Film Festival
Giudizio: 3/5

Uno spregiudicato quarantenne vive garantendo l'assegnazione delle aste alla malavita. Non si sa come, ma conosce sempre l'offerta più bassa, il che inquina il mercato e manda in rovina cooperative e piccoli imprenditori. Ma un giorno si trova di fronte alla questione, squisitamente etica, della scelta. Cinema civile, coraggiosamente prodotto da una cooperativa sociale torinese, con il sostegno della Film Commission Torino Piemonte.

Al massimo ribasso è il secondo lungometrgio prodotto dalla cooperativa Arcobaleno di Torino con il sostegno della Film Commission Torino Piemonte e Rai Cinema dopo l'indie e l'esordio di 40 %.
Un noir o meglio un fanta-noire con un piede nella critica alle gare d'appalto truccate e con una realisticità che abbraccia il cinema d'autore e una sotto-storia che strizza l'occhio al cinema di genere senza però renderlo esageratamente inverosimile ma dotandolo di una metafora di fondo importante.
Il risultato del secondo film di Jacopino è per certi versi bizzarro. Di sicuro a livello tecnico il film vanta un salto di qualità in avanti notevole per quanto concerne la messa in scena, la fotografia, il montaggio e la post produzione. Anche per quanto concerne il cast il film ha voluto puntare su volti leggermente più noti anche se sempre presi dall'hinterland dell'indie torinese.
Eppure se da un lato 40 % aveva quella vena e quel taglio così indipendente e quasi "amatoriale" vinceva sicuramente sotto il punto di vista empatico, elemento che questo film sembra dimenticare pur appartenendo e rispettando le regole del noire che di fatto non abbracciano appieno sentimenti ed emozioni per rendere quel taglio più cupo e freddo.
In fondo sono scelte e così anche i raccoglitori della Cartesio vengono sostituiti con attori improvvisati o figuranti che seppur in gamba (ma non tutti di certo) non lasciano quelle emozioni e quel senso di realisticità e amatorialità che hanno saputo rendere al meglio mostrando tutte le loro fragilità in momenti di cinema popolare molto forte e toccante.
Al massimo ribasso è la condizione o meglio la metafora che per chi lavora come il sottoscritto e tanti altri all'interno delle cooperative, scoprendo di giorno in giorno quanto queste realtà spesso rischino di venir sostituite da società senza più avere quello spirito umano con cui è nata l'idea stessa di cooperativa.
Arcobaleno-Segnali di senso aggiunge un'altra tacca al panorama del cinema indipendente italiano, dimostrando coraggio, mettendosi in gioco con un film forte, duro nel suo voler essere politico e di genere, vincendo sicuramente alcune sfide come ad esempio una maturità tecnica, perdendo però quella semplicità e armonia che ha fatto diventare 40% una piccola chicca dell'indie italiano tutto virato al sociale.


Games of Death

Titolo: Games of Death
Regia: Sebastien Landry E Laurence Morais-Lagace
Anno: 2017
Paese: Usa
Festival: 35°Torino film Festival
Giudizio: 3/5

Un gioco da tavolo, il Game of Death, ha un’unica regola: se non uccidi qualcuno, ti esplode la testa, entro 20 minuti. Sette ragazzi vi partecipano ignari, a loro spese.

Notte horror al Tff tra cornetti e caffè bollente.
Games of Death è un'opera divertente, eccentrica e con sovraddosi splatter che sostanzialmente porta avanti un'idea di carneficina che negli ultimi anni sta partorendo tanti ibridi con l'idea di fondo che poi è sempre la stessa.
Siamo quest'anno, con tutte le opere visionate, in toni decisamente eighties, dove la stragrande maggioranza dei film si rifà ai videogiochi e a quell'aspetto ludico, spensierato, con in alcuni casi rimandi alla sci-fi e con le musiche fatte col sinth che tanto piacciono.
Games of Death dura 75', la trama è praticamente un escamotage per mostrare questo branco di buoni a nulla e tutti straordinariamente cazzoni e antipatici alle prese con questo strano gioco.
Cronemberg e Carpenter su tutti nella miriade di citazioni ma anche BATTLE ROYALE, BELKO EXPERIMENT e via dicendo.
Un film con un ritmo incredibile, splatter al massimo, senza guizzi di sceneggiatura ma con l'unico scopo di arrivare a far esplodere e ammazzare tutti l'uno con l'altro nel minor tempo possibile.
Da questo punto di vista il film fa centro divertendo e mostrando frattaglie in tutte le forme e maniere nonchè teste che piano piano si ingrandiscono assomigliando in alcuni casi alle deformazioni di Rob Bottin. Puro divertissement senza bisogno di spiegazioni e soprattutto di nessun titpo di background ad esempio da dove provenga il gioco, sul finale telefonatissimo e alcune scelte che muovono le azioni dei personaggi davvero lasciate al non sense totale.

Per chi vuole staccare il cervello, ridere e divertirsi prego avvicinare il dito al tasto, una piccola puntura, il sangue che arriva al nucleo del gioco e il ghigno del malefico display, in una narrazione veloce, scatenata e sgangheratissima.

martedì 5 dicembre 2017

Shala

Titolo: Shala
Regia: Joao Inacio
Anno: 2017
Paese: Brasile
Festival: Divine Queer Film Festival
Giudizio: 4/5

La delicata storia di Shala che in orfanotrofio che non rinuncia alla propria identità per
conquistare potenziali genitori adottivi.

Shala è un corto tenero quanto drammatico sui bambini che vengono dati in adozione.
In questo caso la vicenda si sposta in Amazzonia dove Pedro, il giovane protagonista, riceve una bambola da un'amica che presto dovrà lasciarlo. Proprio l'amica assieme alla responsabile dell'orfanotrofio cercheranno di cambiare Pedro affinchè risulti funzionale e adatto da parte delle coppie di genitori benestanti che fanno visita ai ragazzi.
Molto interessante lo stile di ripresa con queste carrellate su questi bambini tutti puliti e sorridenti per cercare di trovare un eden diverso e consolatorio.
Shala, il nome della bambola, è funzionale perchè potrebbe essere anche il nome del piccolo protagonista che nasconde un impeto di rabbia nel momento in cui gli si chiede di dimostrare di essere un bambino maschio. Bellissimo e intenso, con un cast misurato, bambini straordinari e una regia attenta e colta nel saper individuare tutti gli elementi necessari della vicenda in soli '11.





sabato 18 novembre 2017

Verba Volant

Titolo: Verba Volant
Regia: Tufan Tastan
Anno: 2017
Paese: Turchia
Festival: Divine Queer Film Festival
Giudizio: 5/5

Tre ragazzi cercano riparo in una libreria da un gruppo di poliziotti durante una manifestazione

Verba Volant aka Söz uçar è un film dedicato a Semih Özakça e Nuriye Gülmen, due insegnanti licenziati dopo il fallito colpo di stato, accusati di appartenere al movimento Gülen, considerato mandante del tentato golpe. In sciopero della fame dal 9 novembre 2016, sono stati incarcerati. Nuriye Gülmen è ancora in detenzione.
Notevole, veloce e dinamico. In 14' Tastan riesce a dare prova di grande empatia tra il negoziante e i tre ragazzi, pochissime parole ma un uso dell'immaginazione che diventa il colpo di scena del corto oltre ad una grande prova e metafora di libertà e cultura.
Un corto che riflette e mostra tutti gli orrori che possono scaturire da una manifestazione, l'impossibilità a dare voce al proprio dissenso e infine l'individuo che pur di credere in ciò che conta senza perdere la propria dignità decide di aiutare colui che è in difficoltà...anche nascondendolo dentro a un libro. Perchè il libro è cultura. E Se vuoi trovare quella parola all'interno del libro, sei costretto a leggerlo.



Codice Unlocked- Londra sotto attacco

Titolo: Codice Unlocked- Londra sotto attacco
Regia: Michel Apted
Anno: 2017
Paese: Usa
Giudizio: 1/5

Alice è un'agente della CIA che non lavora sul campo: camuffata da assistente sociale, aiuta a individuare tipi sospetti e potenziali terroristi. In passato era la migliore, ma ha scelto di stare in disparte perché non riesce a perdonarsi per un attentato a Parigi che non è riuscita a sventare. Quando dei falsi agenti la contattano per interrogare un sospetto, però, deve necessariamente impugnare la pistola: per salvare se stessa e impedire che qualcosa di terribile avvenga.

Codice Unlocked è il classico thriller di spionaggio che vede da una parte un'America sofferente che piange, abbracciando i fedeli sostenitori inglesi, e dall'altra le cellule jhadiste e i loro piani per far scoppiare altri attentati.
C'è una protagonista dal passato oscuro, autodidatta in tutto, che per non aver sventato un attentato rimane coi sensi di colpa fino a dover dar prova di sventare l'ennesimo complotto.
In più diventa il capro espiatorio perfetto affinchè tutte le intelligences le diano la caccia o la baccaglino per ottenere i suoi servigi.
C'è Orlando Bloom che recita Orlando Bloom che se la tira in un personaggio che ha più riprese è davvero così insopportabile da far ridere e basta senza stare a dare importanza al suo ruolo, tra l'altro il tipico doppio giochista. Poi abbiamo il nero che si sacrifica e John Malkovich che almeno cerca di restituire un minimo di dignità ad un film imbolsito, reazionario e tamarro e con tanti difettucci anche di trama che per quanto cerchino di mascherare emergono fuori come i sensi di colpa dello sceneggiatore.
Infine esce dalla tomba pure Michael Douglas che a parte le moine alla Noomi Rapace protagonista (paladina di questi film di spionaggio e fisic du role a tutti gli effetti) si vede già dalla seconda inquadratura che è un traditore (purtroppo non sei più bravo a mascherare nulla).

Mi spiace per Apted finito a dirigere questi blockbusteroni americani che non sembrano finire mai. La sua filmografia, soprattutto nei primi anni, ha regalato diversi film interessanti e che di certo non strizzavano così tanto l'occhio a una certa politica yankee.

Happy Death Day

Titolo: Happy Death Day
Regia: Christopher Landon
Anno: 2017
Paese: Usa
Giudizio: 3/5

Tree si sveglia sempre nello stesso giorno, quello del suo compleanno, e nello stesso letto, quello di Carter, senza sapere come ci sia finita. Ma alla fine di quel giorno Tree muore, per le coltellate di un maniaco che indossa una maschera da bambino piccolo. Per spezzare l'incantesimo Tree deve individuare e fermare l'assassino.
Con un film in cui il momento di svolta è accompagnato dalle note di Confident di Demi Lovato, a sottolineare con enfasi che la nostra eroina ha deciso di affrontare di petto il nemico, occorre confrontarsi seguendo canoni critici differenti dalla norma.

E si ritorna a ripescare soggetti e trame del passato.
Qui RICOMINCIO DA CAPO che incontra l'horror anni '80 sul modello di SCREAM e altri suoi ibridi.
Un'idea che ha un elemento interessante ovvero mischiare il cinema di genere con questo schema di ripetere le giornate all'infinito a meno che non venga superata una prova o raggiunto un obbiettivo.
La parte iniziale del film è la migliore se non altro per la protagonista che a tutti gli effetti è di un'antipatia rara che seppur una bella fanciulla, diventa la solita cheerleaders bionda senza carattere e anima. In realtà non sarà poi così e uno sicuramente dei fattori positivi e proprio quello di caratterizzare bene il suo personaggio e altri coprotagonisti.
Il problema grosso del film arriva quando il regista prova una mossa azzardata e controproducente, a meno che non si abbia un talento alla scrittura che di solito non coincide mai con la regia, unendo commedia romantica e thriller slasher.

Dopo che Tree capisce che il nerd di una notte e via forse può aiutarla a risolvere il mistrero e scoprire chi c'è dietro la maschera, il film sembra riprendersi contando su un buon elemento, ma dopo poco il colpo di scena diventa assolutamente prevedibile (peraltro già a metà film) e le false piste non ottengono nulla di buono a meno che non ci troviamo di fronte all'ennesimo pubblico che fagocita qualsiasi cosa senza avere niente da dire e senza capire che la logica serve e bisogna tenerla allenata. Questo film proprio da questo punto di vista ne esce proprio male senza nessun guizzo e con un climax finale telefonato e prevedibile.  

Thor: Ragnarok

Titolo: Thor: Ragnarok
Regia: Taika Waititi
Anno: 2017
Paese: Usa
Giudizio: 2/5

Il ritorno di Thor ad Asgard si fa amaro quando scopre che Loki si è sostituito al padre Odino sul trono, spedendo quest'ultimo in un ospizio terrestre. Ma il peggio deve ancora arrivare: Hela, sorella maggiore e dea della morte, sta per uscire dalla sua prigione e vuole vendicarsi su Asgard.
Il percorso di avvicinamento alle Infinity Wars, destinate a riunire e forse cambiare per sempre l'universo cinematografico Marvel (MCU), sembra interminabile e passa da episodi intermedi che, inevitabilmente, godono di un interesse limitato.

E alla fine siamo arrivati al terzo capitolo di Thor, uno dei miei super eroi preferiti.
Ed è con immenso dispiacere che arrivo alla terza e ultima bocciatura.
Tre film, tre insuccessi.
Tuttavia per quest'ultimo fracassone omaggio agli anni '80 ( e ora basta, già STRANGER THINGS è diventata la serie bella che piace a tutti senza un minimo di idee originali) ma qui al timone c'era un regista che mi garbava assai, grande amante dell'umorismo (elemento che ha decretato la morte di questo ultimo capitolo). Prima di tutto non ho la risata facile e infatti non ho mai riso per tutto il film, ma Waititi è quello di WHAT WE DO INTHE SHADOWS e HUNT FOR THE WINDERPEOPLE due film che mi avevano affascinato per tanti motivi bizzarri e diversi che facevano davvero ridere ma per gli elementi squisitamente intellettuali, qui invece sembra valere la regola "lo scemo ride sempre" e aggiungerei per tutto il film.
Qui la politica d'autore di Waititi, che si ritaglia e interpreta anche quattro personaggi dentro il film, non riesce ad emergere appieno. O meglio, una grossa parte del pubblico riderà sguaiatamente e proclamerà la vittoria del film. Secondo me è un ibrido pieno e ricolmo di elementi kitsch a non finire (che ottengono spesso e volentieri l'effetto contrario).
Ma qui c'è il Ragnarok che per chi non avesse studiato nulla di mitologia nordica è il top delle battaglia divine. Quella a cui noi assistiamo è l'ennesima tamarrata, tutta giocata nel finale, con esplosioni, palazzi che si distruggono, martelli che si spezzano,
demoni del fuoco potentissimi che vengono imprigionati e presi per i fondelli da eroi che gli volano attorno (il demone di cui si parla andatevi a vedere chi è realmente), Valchirie patinate come non mai in quadri estetici che dovrebbero essere significative ma che invece sono solo effetti noiosi per una fotografia che non sapeva più cosa inventarsi (e allora il taglio alla Zack Snyder mi porta a dare testate forti al muro). Parliamo poi di lui. Chris Hemsworth è un attoruncolo incapace che vive di muscoli e di risate fasulle e che ha dimostrato la sua politica armandosi in remake orrendi, assurdi e iper reazionari come RED DAWN, inneggiando la bandiera yankee, remake dell'insulso film del'84. Hulk manco a chiamarlo in causa fa una brutta figura contando che mai e poi mai può e deve essere un personaggio comico (ma quando hai un mostro di bravura come Mark Ruffalo, se non sai dirigerlo bene, lui fa ciò che vuole)
Loki rimane per me un mistero per come quest'attore sia stato esageratamente pompato dai media, critica e pubblico.
Il migliore, la palma d'oro, se la becca Jeff Goldblum, assieme alla bellissima Cate Blanchett, in un ruolo perfetto e inquietante, dove sembra per un attimo, anche se ci riesce molto meglio, a creare quel mistero tra bene e malvagità totale come succedeva per Ego nei GUARDIANI DELLA GALASSIA 2.
E siamo infine al diciassettesimo film del Marvel Cinematic Universe.

Ora si sta arrivando verso l'Apocalisse di AVENGERS:INFINITY WARS

Torre Nera

Titolo: Torre Nera
Regia: Nikolaj Arcel
Anno: 2017
Paese: Usa
Giudizio: 1/5

Jake è un ragazzo della New York di oggi tormentato da sinistri sogni, in cui vede un malvagio uomo in nero, un eroico pistolero e una torre nera sotto attacco. Gli incubi gli ispirano numerosi disegni, ma a dare loro concretezza è la coincidenza tra gli attacchi alla torre e i terremoti che si verificano a New York. Dopo un ennesimo problema di condotta a scuola, il padre adottivo cerca di mandare Jake in una clinica, che lui sa però essere una trappola. Così scappa seguendo gli indizi dei propri disegni, che lo spingeranno in un altro mondo e in una incredibile avventura.

Non ci ho capito niente. La Torre Nera diventato l'ennesimo romanzo a episodi del maestro del brivido King, tra peripezie , troupe e attori cambiati, alla fine è diventata l'ennesima porcheria che niente c'entra con l'atmosfera kinghiana, davvero un mix di generi all'interno della saga letteraria. Western, post-apocalittico, sci-fi, distopia, mondi paralleli, nei libri l'universo ricreato è l'ennesima conferma della capacità immaginifica dello scrittore.
Il film invece è pura porcheria. Il cast ci crede così poco che McConaughey non si è nemmeno scomodato a dare enfasi e risalto al suo personaggio per non parlare di Idris Elba che ci crede come uno schiavo scappato dai campi di cotone, un regista sconosciuto danese trapiantato ad Hollywood che sembra un amante degli effetti speciali e della c.g che qui purtroppo inghiotte quando di poco e di buono il film voleva osare.
E'tutto tremendo, estremamente patinato, un bambino fastidiosissimo che se fossi stato in Roland lo avrei stanato subito e poi un lento e bruttissimo passaggio da un mondo all'altro senza perchè.
Quando Roland incontra l'uomo in nero i dialoghi sono assurdi e banali in modo tale da non far trasparire quasi nulla di quanto scritto sui libri.
Poi aver un sogno nel cassetto non vuol dire essere capaci di realizzarlo. Nikolaj Arcel infatti non è assolutamernte riuscito in un'impresa a cui a loro tempo avevano rinunciato nell'ultimo decennio J. J. Abrams e Ron Howard, che proprio due inesperti non sono anche se non amo il loro cinema troppo commerciale.
Ed è proprio qui il problema. Cercando di inquadrare un target che mettessse a posto tutti giovani e adulti (errore madornale) è diventato un film d'azione/avventura con la solita moda hollywoodiana di non caratterizzare bene i personaggi e la storia per finire a schiantarsi in brutti effetti speciali (i mostri non si possono vedere) e poi esplosioni a raffica con questa Torre Nera che dovrebbe reggere tutto e invece nei sogni non fa altro che crollare su se stessa.

Sintetizzare tutto in un'ora e mezza significa siglare il fallimento e così è stato per una delle trasposizioni più brutte degli ultimi anni e di sempre dai libri di Stephen King.

mercoledì 15 novembre 2017

Crucifixion

Titolo: Crucifixion
Regia: Xavier Gens
Anno: 2017
Paese: Romania
Giudizio: 3/5

Basato sulla storia vera di un prete incarcerato per l'omicidio di una suora dopo aver fatto un esorcismo su di lei, il film segue una giornalista investigativa che cerca di determinare se il prete ha ucciso una persona mentalmente malata o se ha perso una battaglia con una presenza demoniaca.

Negli ultimi anni il tema della possessione è diventato mainstream a tutti gli effetti con risultati spesso altalenanti tra loro con alcuni blockbuster guardabili ed altri assolutamente no.
Si riprende una delle tematiche più interessanti per i fan dell'horror. In questo caso ci troviamo al cospetto di Gens un regista che sa il fatto suo anche se negli ultimi anni come molti mostri sacri è stato intrappolato e qui riesce ad uscirne con una produzione rumena, un budget tutto sommato scarno, e una voglia matta di dirigere un'altra opera. Certo non siamo di fronte al post-apocalittico THE DIVIDE (il suo film migliore pur essendo il più pesante) e nemmeno di fronte alla carneficina di FRONTIERS eppure in questo film, il regista si prende i suoi tempi sviluppando un film che trova nei dialoghi e nella fede gli strumenti della sua messa in scena.
Il problema del film e che solo in alcuni momenti vedi il grande talento del regista che di fatto a parte una regia che non commette errori e una tecnica che rasenta quasi la perfezione manca qualcosa di quel cinismo e di quella cattiveria che davano smalto e qualità ai suoi film.
Questo sembrava quasi un'opera di commissione sulla scia di molti film che ultimamente stanno andando di nuovo di moda sul tema della possessione, ma poi invece ho scoperto che lo stesso Gens voleva fare qualcosa di simile ai blockbusteroni usciti finora e questo non è bene.
Penso che il motivo sia più di uno ma come sempre l'ignoranza mediatica lo ha classificato come un ibrido di THE CONJURING. Addirittutra sembra che tutta l'opera sia stata pensata proprio su
questa falsa riga. Di fatto gli sceneggiatori Chad e Carey Hayes sono proprio quelli di THE CONJURING 1 e 2. Quindi volevano probabilmente una specie di ibrido del film di James Wan e per farlo avevano bisogno di un mestierante fatto e finito.
Ora come in tutte le opere di "commissione" i limiti sono dietro l'angolo e così a parte qualche jumping scared e di un'ottima congiuntura tra pensiero religioso istituzionale e quello invece vero della fede e dei veri martiri e gli esorcisti con un credo differente dalla matassa di stupidaggini di padre Amorth, il film rimane una via di mezzo, qualcosa che ha degli spunti interessanti, soprattutto nella messa in scena e nella direzione degli attori, ma che rimane distante, come un quadro che non appartiene del tutto al suo autore.
Speriamo solo che questa non sia la fine di Gens, ma che il regista possa di nuovo dar luce ad una "sua" opera senza tanti compromessi.


Fortunata

Titolo: Fortunata
Regia: Sergio Castellitto
Anno: 2017
Paese: Italia
Giudizio: 4/5

Fortunata è una donna sulla trentina che sta crescendo da sola la figlia Barbara di otto anni in un quartiere degradato di Roma. È agosto, la città è semivuota, e Fortunata va di casa in casa a fare (in nero) messe in piega e shatush ad amiche e vicine, coltivando il sogno di aprire un suo negozio di parrucchiera e conquistare così un minimo di indipendenza economica. Franco, il marito allontanato da casa, da cui Fortunata non è ancora separata legalmente, la tormenta con visite inaspettate, insulti gratuiti e aggressioni sessuali. Chicano, il suo migliore amico, è un tossico con una madre straniera, Lotte, che sta scivolando nel buco nero dell'Alzheimer. L'incontro con uno psicoterapeuta infantile, Patrizio, cui è stato affidato dai servizi sociali il sostegno psicologico a Barbara, si presenterà a Fortunata come l'opportunità di cambiare la propria vita. Ma non tutti sanno sfruttare le buone occasioni, soprattutto se a guidare le loro azioni è una cronica mancanza di autostima e una sfiducia nella capacità (o il diritto) di essere, nella vita, fortunati.

Oggi come oggi capita sovente di potersi imbattere in qualche Fortunata.
Caratteristica di questa società, di questo periodo post-contemporaneo in cui si corre e non si ha tempo per voltarsi indietro soprattutto quando non si ha un buon bagaglio culturale e una figlia piccola iperattiva con una componente oppositiva.
La protagonista di questo intenso dramma contemporaneo che strizza l'occhio ad un certo nostro cinema neorealista, deve molto della sua riuscita alla bella protagonista, una Jasmin Trinca che finalmente è riuscita a conquistarmi con la sua semplicità e una personalità di fuoco ( una qualche similitudine con la Magnani di BELLISSIMA potrebbe pure starci) e l'attore del momento Borghi (di nuovo in un ruolo sopra le righe ma affascinante) e l'immancabile Accorsi, qui in un ruolo che come per YOUNG POPE riesce a riscattarlo e a dargli quella meritata maturità (l'assistente sociale).
Castellitto che non ho mai amato come regista e diciamo che adatta quasi tutti i suoi film dai romanzi della moglie, qui sembra per fortuna prendersi meno sul serio, lasciando la telecamera e gli attori in diversi momenti di totale improvvisazione (e direi dove vediamo anche i momenti più riusciti). Anche se spesso alcuni personaggi e tasselli della storia sembrano abbozzati e abbastanza superficiali ( il marito/poliziotto di Fortunata che non le da pace, la madre Lotte di Chicano che sembrano usciti da un film di Ozpetek) alla fine riscono a inserirsi bene come pezzi di un puzzle.
Se dal punto di vista della messa in scena e del reparto tecnico tutto sembra non fare una piega, è proprio la scrittura dell'autrice/sceneggiatrice che ancora una volta mostra alcuni limiti che se nei film precedenti erano sempre esagerate con una propensione a mostrare relazioni sempre ai limiti del sopportabile e del buon gusto, qui ancora una volta il melodramma diventa presto motivo che porta allo sfinimento e al mero masochismo femminile.
E'proprio quando il film e la scrittura vogliono decollare senza prendere le giuste distanze che il film commette i suoi errori più grandi e il destino di Chicano è proprio uno di questi, mentre dal'altra parte emergono schegge impazzite di un cinema libero e anarchico come la sfuriata di Patrizio.
Questo film assomiglia ad un elastico. Puoi tirarlo quanto vuoi ma più lo tiri e più grande è il colpo o la frusta che ti torna indietro. Guardandolo sono riuscito a non farmi male, ma soprattutto il film non mi ha annoiato per un solo singolo minuto.