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giovedì 15 giugno 2017

Gifted

Titolo: Gifted
Regia: Marc Webb
Anno: 2017
Paese: Usa
Giudizio: 3/5

"Gifted - Il dono del talento", parla della storia di Frank, un uomo cosciente e giudizioso che prova a crescere la giovane ed estremamente geniale figlia della sorella, tragicamente morta a seguito di un incidente. Sua nipote Mary è un vero asso della matematica e dal momento in cui la nonna della bambina, madre di Frank scopre le abilità della piccola, l'uomo cercherà di trarre vantaggio in ogni modo possibile della situazione che si è venuta a creare.

E'curioso scoprire come Chris Evans tolti gli abiti da supereroe Marvel (Capitan America) prediliga i drammi sul sociale. A partire da BEFORE WE GO la sua opera prima come regista, in cui in realtà è una storia d'amore tutta ambientata in una notte, e questo piccolo indie. Gifted fin da subito è uno di quei tipici drammoni che toccano le corde dell'anima. Puntano sui sentimenti, sulla redenzione, sull'attaccamento, sul distacco e la perdita. Dal punto di vista della storia non accenna a inserire nulla di nuovo, lo stereotipo è sempre quello e narrativamente parlando non ci sono colpi di scena eclatanti o un climax che il pubblico non si aspetti. Il cast c'è la mette tutta merito anche e soprattutto di una squisita Mckenna Grace che ruba la scena agli adulti riuscendo ad essere in parte in un ruolo complesso e sfaccettato.
Il film scritto da Tom Flynn è un dramma crudo con i piedi per terra, incentrato sul personaggio di Frank Adler, un uomo che intenzionalmente non esplica le sue potenzialità,e che si prende cura della nipote Mary nella parte rurale della Florida. Quando la iscrive a scuola per la prima volta, lei viene etichettata come "dotata" ("gifted", appunto). Tutto ciò che Frank vuole per lei è una vita normale, ma ad ostacolarlo c'è la madre della bambina, Evelyn, e il problema che lui non ha la custodia di Mary. Ecco allora che, dinamico per la prima volta nella sua vita, Frank lotta per ottenere questa custodia. Alla fine in poche righe il film possiede tutti quegli accessori tali da renderlo una piccola sorpresa che richiederà scatole di fazzoletti da tenere vicini alla poltrona.
Un film che non ha nulla di speciale ma brilla della compostezza delle immagini e della chimica creata tra Evans e la Grace.


domenica 28 maggio 2017

Colossal

Titolo: Colossal
Regia: Nacho Vigalondo
Anno: 2016
Paese: Spagna
Giudizio: 3/5

Gloria è una donna qualsiasi che dopo aver perso il suo lavoro e il suo fidanzato decide di lasciare New York e di trasferirsi nella sua città natale. Ma quanto i notiziari riportano che una lucertola gigante sta distruggendo la città di Tokyo, Gloria pian piano realizza di essere stranamente legata a questi strani eventi così distanti da lei, con il potere della sua mente. Per prevenire un'ulteriore distruzione, Gloria deve capire come mai la sua vita apparentemente insignificante ha un effetto così colossale sul destino del mondo.

Vigalondo è un giovane regista spagnolo che apprezzo molto. Ha fatto pochi film mentre ha lasciato sicuramente il marchio all'interno dei cortometraggi all'interno dei film horror a episodi usciti in questi ultimi anni (VHS:VIRAL, THE ABCS OF DEATH).
Ora parliamo dei suoi film precedenti. Non erano capolavori ma all'interno contenevano alcune idee originali e spunti di riflessione interessanti se non quasi sperimentali (OPEN WINDOWS) i quali mi hanno fatto prendere nota che di questo piccolo genietto (almeno così si considera) dobbiamo tenerlo d'occhio.
Colossal è proprio il film che non ti aspetti e che ti arrabbia a morte quando ti chiedono cosa sia.
Commedia? Fantasy? Thriller psicologico con un impianto ironico? Varie ed eventuali.
Io credo tutto questo, nel senso che l'autore ha cercato di fare un film non propriamente di supereroi citando tra le righe un sacco di cinema e portando i sentimenti e la psicologia a regnare sovrana in territori incontrastati del nostro inconscio.
Possiamo definirlo così in poche battute: spesso i più grossi litigi e le più grosse battaglie o i disastri nascono da motivi molto futili. Come in questo caso il flash-back che serve a spiegare l'incidente scatenante da dove derivi e il perchè Gloria e Oscar riescono a dar vita ad un vero e proprio scontro tra titani è il colpo di scena che tiene incollati gli spettatori quasi fifno alla fine del film senza riuscire a capire quale sia stato l'incidente scatenante. Di nuovo una narrazzione che trova nella variabile tempo e nei meccanismi appunto spazio-temporali una delle sue armi.
Un plastico con la riproduzione della Corea per un compito in classe può essere l'antefatto che crea il precedente affinchè Gloria da grande nutra ancora rabbia per non si sa bene quale motivo e la conseguente emancipazione dal ragazzo che non la vuole perchè non ha autocontrollo, diventa il portfolio da cui emerge Oscar e dove inizia finalmente il film.
Essendo di fatto una commedia così infinitamente hipster e ironica, Vigalondo come sempre non risparmia una vena polemica con una metafora politica e una guerra tra sessi che non risparmia botte da orbi come il divertente scontro finale.
E'un film tranquillo che parla di caos interni, di situazioni mai risolte, di fragilità e traumi infantili come forse abbiamo vissuto e spero superato tutti.


domenica 30 aprile 2017

La la land

Titolo: La la land
Regia: Damien Chazelle
Anno: 2016
Paese: Usa
Giudizio: 3/5

Los Angeles. Mia sogna di poter recitare ma intanto, mentre passa da un provino all'altro, serve caffè e cappuccini alle star. Sebastian è un musicista jazz che si guadagna da vivere suonando nei piano bar in cui nessuno si interessa a ciò che propone. I due si scontrano e si incontrano fino a quando nasce un rapporto che è cementato anche dalla comune volontà di realizzare i propri sogni e quindi dal sostegno reciproco. Il successo arriverà ma, insieme ad esso, gli ostacoli che porrà sul percorso della loro relazione.

La la land ha incantato le folle, fatto sognare coppie di giovani e adulti lasciando sulla bocca di tutti una melodia da fischiare e un sorriso per un'altra bella storia d'amore. Eppure Chazelle di WHIPLASH fa un altro passo in avanti e non solo regala un finale che lascerà interdetti ma a differenza del film precedente adotta la formula del musical che significa un rischio enorme e una follia di fondo interessante da studiare.
In quasi due ore Gosling e la Stone provano di tutto e ovunque regalandoci performance e siparietti eleganti e pieni di colori e sorrisi. Gli scenari si alternano come in una commedia anni '50 prendendo come nella scena iniziale il tram tram quotidiano spezzato da un balletto in piena autostrada che rimarrà una delle cose più belle del film.
E poi sancisce la forza dell'amore, la fiducia in se stessi, l'altro/a come un pezzo mancante nelle nostre incomunicanti vite. E'un raggio di sole di speranze e buoni sentimenti che seppur scavalcando la realtà in alcune scene rimane ben ancorato coi piedi per terra come nel finale.
Chazelle sembra un insegnante musicale, un coreografo e tante altre cose. E'giovane e bisogna sperare che questo talento e questa carica eversiva non si fermi ma riesca ad essere uno dei motori centrali della sua politica d'autore.



martedì 11 aprile 2017

Hunt for the Wilderpeople

Titolo: Hunt for the Wilderpeople
Regia: Taika Waititi
Anno: 2016
Paese: Usa
Giudizio: 4/5

Ricky, un ragazzino di città, viene dato in affido a una famiglia di campagna della Nuova Zelanda. Si sente subito a casa con la nuova famiglia affidataria: la zia Bella, l'irascibile zio Hec e il cane Tupac. A seguito di un drammatico avvenimento, Ricky rischia di essere spedito in un'altra casa. Ciò spingerà il ragazzino ed Hec a fuggire nei boschi. Con la caccia all'uomo che ne consegue, i due sono costretti a mettere da parte le loro divergenze e a collaborare per sopravvivere.

Taika Waititi è davvero divertente. Al Torino Film Festival vidi per la prima volta WHAT WE DO IN THE SHADOW e rimasi sorpreso da come questo eclettico attore, sceneggiatore e regista, fosse riuscito a far ridere così tanto e sorprendere continuamente sfruttando un tema abusatissimo come quello dei vampiri tra l'altro in un mockumentary.
In questo caso si ritaglia un ruolo da figurante e si concentra sulla regia mostrando come sempre le bellezze naturali della Nuova Zelanda.
C'è tanto Twain in questo film per quanto concerne la letteratura di riferimento quanto una voglia di riscoprire i meccanismi classici dei film d'avventura con il tema sempre presente del viaggio dell'eroe e del percorso di iniziazione del ragazzino.
E poi di che attori stiamo parlando. Sam Neil è un fuoriclasse che non ha bisogno di presentazioni mentre il piccolo Julian Dennison come tanti bambini della sua età ci fa comprendere immediatamente come i digital natives adorino stare di fronte agli schermi e alle telecamere.
Un viaggio alla ricerca di se stessi, superando la solitudine dell'abbandono (moglie dello zio Hec), e misurando le forze aiutandosi reciprocamente in uno scontro tra civiltà e cambi generazionali.
Il tutto impreziosito da una curatissima colonna sonora che riesce a enfatizzare e dare ancora più significato ad alcune scene davvero intense ed empaticamente memorabili.
Il tema ormai sempre più presente e attuale di questi giovani allo sbaraglio senza famiglie o con pezzi di famiglia sparsi da qualche parte, abituati sin dalla più tenera età a spostarsi continuamente da una località all'altra senza mai lasciare radici è qualcosa di davvero angosciante.
In questo caso Waititi è abile nel cercare di non concentrarsi su questo problema caricandolo con una vena grottesca come l'assistente sociale governativa che vuole stanare il giovane e lo zio.

Infine Hunt risulta un film politicamente scorretto, denso di situazioni demenziali e citazioni nerd tra omaggio e sberleffo, ma anche una sorta di critica o forse analisi che Waititi vuole fare sulla società neozelandese in cui l'assenza di padri e un problema serio e reale.

Tu dors Nicole

Titolo: Tu dors Nicole
Regia: Stephane Lafleur
Anno: 2014
Paese: Francia
Giudizio: 2/5

Nicole e la sua migliore amica Véronique stanno per trascorrere una bella vacanza senza genitori nella casa di famiglia. La loro estate, però, prende una piega insolita quando il fratello maggiore di Nicole, Rémi, si presenta a casa con il suo gruppo musicale.

Tu dors Nicole è uno di quei classici indie francesi che puntano sulla sottrazione. Cioè in tutto il film non succede praticamente nulla dal punto di vista pratico, di cosa fa Nicole, ma invece racconta moltissimo su tutto ciò che le sta intorno. Quest'anno è uscito un film che mi ha ricordato questa opera francese in b/n, il PATERSON a colori di Jarmush. Anche in quell'opera non succede granchè ma scopriamo davvero tanto di questo personaggio semplice.
Sia lì che qui ci troviamo di fronte a poche parole, storie minimali, cercando di mettere in risalto le musiche e i suoni. Nicole e Paterson conducono una vita spensierata a bassa intensità svolgendo anche lei un lavoro semplice e monotono.
Nicole ha 22 anni, la vita da adulta fa schifo e l'accento, per quasi tutto il film, viene posto sulle sfide che la giovane o il giovane di turno devono affrontare. Purtroppo a parte tutte queste belle parole, qualche scena simpatica tra le due amiche e con la band musicale del fratello, il resto pur avendo una bella forma ha davvero poca sostanza.


sabato 8 aprile 2017

Avril et le Monde truqué

Titolo: Avril et le Monde truqué
Regia: Christian Desmares
Anno: 2015
Paese: Francia
Giudizio: 4/5

Nel 1941 di una realtà alternativa in cui la seconda rivoluzione industriale, quella dell’elettricità, non è mai avvenuta a causa della sparizione dei migliori scienziati del mondo nel 1870, infuria la guerra per l’energia. April, una ragazza che vive in una Parigi grigia e pericolosa, si mette alla ricerca dei genitori scienziati scomparsi da tempo, con la ferma intenzione di proseguire le loro ricerche interrotte sul sentiero della vita

Tratto dall’opera del maestro della graphic novel francese Jacques Tardi e vincitore del Crystal Award come miglior lungometraggio al festival di Annecy 2015, Avril et le Monde truqué è l'esordio per due registi emergenti che cercano di ridare enfasi e innovatività ad un sotto genere in disuso: lo steampunk (tornato alla ribalta con il remake di MAD MAX). Questo viaggio dell'eroina accompagnato da un gatto parlante e da un furfante trova i suoi punti di forza non tanto nella sceneggiatura scontata e i personaggi classici e poco caratterizzati ma da una messa in scena accompagnato da un ritmo avvincente soprattutto come metafora sui contenuti politici emergenti, sul ritorno al carbone (come da poco ha voluto il presidente americano Trump), alcuni dialoghi pungenti soprattutto quando i nostri protagonisti incontrano gli scienzati ma anche nell'umorismo che spesso e volentieri rischia di essere frainteso.
Se c’è un autore in grado di rielaborare in maniera originale gli stilemi e i cliché della paraletteratura e tradurli in maniera originale questo è Jacques Tardi l’autore delle avventure di Adèle Blanc-Sec, eroina di storie a metà tra il genere l’horror e l’avventuroso. Avril è una commedia frizzante piena di ritmo e di momenti originali, un’avventura rocambolesca, spiritosa, non priva di contenuti e spunti sulla natura umana, sui confini etici della ricerca, sui paradossi della tecnologia. L'ennesimo tassello significativo del variopinto cinema d’animazione transalpino.


giovedì 23 marzo 2017

Omicidio all'italiana

Titolo: Omicidio all'italiana
Regia: Maccio Capatonda
Anno: 2017
Paese: Italia
Giudizio: 2/5

Uno strano omicidio sconvolge la vita sempre uguale di Acitrullo, sperduta località dell'entroterra abruzzese. Quale occasione migliore per il sindaco e il suo vice per far uscire dall'anonimato il paesino? Oltre alle forze dell'ordine infatti, accorrerà sul posto una troupe del famigerato programma televisivo "Chi l'acciso?", condotto da Donatella Spruzzone. Grazie alla trasmissione e all'astuzia del sindaco, Acitrullo diventerà in men che non si dica famosa come e ancor più di Cogne! Ma sarà un efferato crimine o un... omicidio a luci grosse??

Secondo film per Marcello Macchia dopo ITALIANO MEDIO e la serie uscita nel 2017 MARIOTTIDE direttamente su Infinity.
A differenza del primo film qui troviamo un lavoro di scrittura molto più complesso e sofisticato avendo al suo interno intenti da thriller e da indagine poliziesca ovviamente con tutti i suoi sottoriferimenti ironici e grotteschi ma che almeno portano elementi nuovi e la capacità e lo sforzo di provare a mettersi in gioco anche in un giallo.
Senza avere ancora quella forza e quella maturità che potranno dargli la possibilità di fare qualcosa di più maturo anche se di comicità e demenzialità si parla (dal momento che sono diventati i punti di forza dell'attore/regista) in questo suo secondo film, non per il cast che alla fine pur avendo qualche star in più non aggiunge da quel senso lì forza e spessore sui personaggi, bensì proprio per quella critica mass mediatica che l'autore già dai suoi trailer in passato a sempre cercato di sottolineare buttandola sulla risata ma lasciando comunque che la critica faccia il suo effetto.
"Chi l'ha acciso" diventa il punto di riferimento per una metafora sulla morale e il perbenismo dell'italiano medio e allo stesso tempo la mancanza totale assenza di morale che riesce in alcuni casi a dare ancora più spessore alla comicità demenziale.

L'unico dubbio per questo personaggio di spettacolo è che lui come la sua squadra, rischiano di rimanere intrappolati e schiavi di un sistema e di una produzione che lui per primo cercava di cambiare ma che quando gli ha messo di fronte contratto e limiti, il nostro Macchia non ha più potuto fare la sua scelta.

Questione di Karma

Titolo: Questione di Karma
Regia: Edoardo Falcone
Anno: 2017
Paese: Italia
Giudizio: 2/5

Giacomo è lo stravagante erede di una dinastia di industriali, ma più che interessarsi all'azienda, preferisce occuparsi delle sue mille passioni. La sua vita è stata segnata dalla scomparsa del padre quando era molto piccolo. L'incontro con un eccentrico esoterista francese gli cambia la vita: lo studioso infatti afferma di aver individuato l'attuale reincarnazione del padre di Giacomo. Trattasi di tal Mario Pitagora, un uomo tutt'altro che spirituale, interessato solo ai soldi e indebitato con mezza città. Questo incontro apparentemente assurdo cambierà la vita di entrambi.

Questione di Karma è un film che mischiando filosofia orientale e toni da commedia all'italiana crea un'impianto insopportabile con due personaggi odiosi e tremendamente fuori dal comune, almeno per quanto riguarda il personaggio di De Luigi, Giacomo, che in una scena topica si scopre parlare anche il giapponese fluentemente. Mario interpretato da un Germano scazzato all'inverosimile sembra invece il tipico burino romano che non fa altro che sottolineare lo stereotipo del farabutto con un grande cuore...
Questione di Karma è un mix tra LA FELICITA' E'UN SISTEMA COMPLESSO e UNO STRANO CASO in cui c'è il tema della reincarnazione e una sorta di guru interpretato da Philippe Leroy che alla fine rivela al nostro protagonista che la cosa più importante nella vita e l'arrosto di maiale con le patate.
Tutto purtroppo è prevedibile e patinato e Falcone non fa nulla per cercare di fare in modo che il film debba andare proprio nella direzione più scontata con un finale a lieto fine che sembra uscire dalle pubblicità della mulino bianco.
Gli attori pur provando a mettercela tutta per fare in modo che riesca ad essere credibile anche una situazione paradossale, non riescono mai a trovare loro come chi ha scritto il film, quell'impianto nei dialoghi che alla fine riesce ad essere matura finendo per fare ridere poco e non sembra prendersi mai sul serio cercando per tutta la durata un equilibrio macchinoso.
Alcuni stereotipi poi li ho trovati abbastanza banalotti e poco convincenti come la rampolla di famiglia che oltre ad essere un arrampicatrice sociale e per forza lesbica, che il matto alla fine è sempre il genio e che tutte le famiglie aristocratiche puntando a risparmiare i soldi senza mai provare il piacere di spenderli.


martedì 7 marzo 2017

I Don't Feel at Home in This World Anymore

Titolo: I Don't Feel at Home in This World Anymore
Regia: Macon Blair
Anno: 2017
Paese: Usa
Giudizio: 3/5

Ruth un assistente sociale depressa, torna dal lavoro e trova la casa svaligiata, all'appello mancano l'argenteria e il computer portatile. Persa fiducia nella polizia (e forse nell'umanità intera), Ruth inizia a indagare da sola, unendo le forze con il suo vicino di casa squilibrato e il suo cane Tony. Dopo aver localizzato il computer portatile, i due risalgono a un negozio di spedizioni, arrivando a sgominare una banda di criminali degenerati e pericolosi che popola un bizzarro mondo sotterraneo da dove non sembra esserci via d'uscita.

Macon Blair per chi non lo conoscesse è un attore poliedrico che ha regalato alcune ottime performance in BLUE RUIN e GREEN ROOM.
E'difficile classificare quest'ultimo film della Netflix che sembra ricordare così tante cose e allo stesso tempo nessuna, una sorta di commedia nera con sprazzi di revenge-movie dalle tonalità pulp weird e un black humor efficace. Con l'andare avanti il film però prende una piega diversa come d'altronde capita per i film di Saulnier di cui appunto Blair è la musa ispiratrice.
Al di là delle interpretazioni che non esondano mai pur rimanendo al limite dell'assurdo il film ci mostra due nuovi anti eroi spassosissimi come Ruth e Toni interpretati da una convincente Melanie Lynskey e un ritrovato Elijah Wood, i quali giocano sull'auto ironia (soprattutto il secondo) riuscendo a creare un personaggio di contorno funzionale allo scopo, creando una coppia di protagonisti bizzarra e completamente diversa.
Questa scheggia impazzita tratta tanti temi della nostra sempre più complessa normalità rappresentando una riflessione proprio sulla società contemporanea americana come ad esempio passare ai fatti prima di anteporre un dialogo, dare per scontato le cose, un egoismo che incancrenisce giorno dopo giorno la civiltà, il malessere generale degli americani e via dicendo. Sembra partire da un'unica certezza per poi farla esplodere a suon di violenza e sparatorie.
Il mondo è folle, lo è sempre stato e chiunque abbia un barlume di sensibilità e empatia rischia di essere sepolto senza troppi convenevoli. Quindi è ora che coloro che mantenevano una sorta di calma apparente deflagrino senza farsi troppi sensi di colpa e in tutto questo spesso e volentieri il cinema indipendente si presta ad hoc.


Paterson

Titolo: Paterson
Regia: Jim Jarmush
Anno: 2016
Paese: Usa
Giudizio: 3/5

Paterson vive a Paterson, New Jersey, con la moglie Laura e il cane Marvin. Ogni giorno guida l'autobus per le vie della città, ogni sera porta fuori il cane e beve una birra nel pub dell'isolato. Mentre la moglie colleziona progetti fantasiosi e fuori portata, e decora ininterrottamente la loro casa, Paterson appunta umilmente le sue poesie su un taccuino, che porta sempre con sé. Nei suoi versi si fondono la passione per William Carlos Williams, nativo di Paterson, Ginsberg, O'Hara, ma anche il suo orizzonte quotidiano. Proprio il dono di uno sguardo poetico sembra essere ciò che lo eleva da una routine di luoghi e azioni uguali a se stesse e sottilmente angoscianti.

L'ultimo Jarmush è abbastanza radicale e minimale. Il suo personaggio passa le giornate quasi come se non vedesse l'ora che finiscano per ricominciarle il mattino seguente nello stesso identico modo. E'un aspetto come un altro per dire due cose: da un lato l'importanza di dare peso alla monotonia e ad una vita semplice che si accontenta di cose ancora più semplici che spesso e volentieri diamo per scontato. Dall'altra sembra voler appurare che il piattume della propria esistenza è soggettivo per ognuno di noi, decidendo a cosa dover dare peso e importanza.
Al di là di riflessioni indisciplinate o teorie personali, Paterson è interpretato da un attore che ultimamente pur rimanendo in secondo piano, sta girando indie e blockbuster come se mangiasse noccioline. Da STAR WARS a SILENCE solo per citare gli ultimi usciti, Adam Driver è colui che passa sempre inosservato, eppure riuscendo a lasciare spesso una traccia come nel caso del film di Scorsese dove riesce ad essere molto più in parte e funzionale rispetto al collega.
E'un film monocorde in cui non succede praticamente nulla e il ritmo viene scandito dai giorni della settimana. Allo stesso tempo è un film ambizioso dove sicuramente qualcuno coglierà il significato della vita secondo Paterson e altri passaggi importantissimi che meritano una lettura e una scansione più approfondita. L'inizio è abbastanza profetico per far subito capire come verrà strutturato il film.
Eppure forse questo è il merito più grosso di un regista indipendente nell'anima che ha lavorato in mille progetti facendo sempre un sacco di cose appartenenti alla settima arte e che voleva a tutti i costi realizzare questo film che manco a farlo apposta è il suo progetto più ambizioso.
Alla fine con una frase forse si riesce a tracciare la personalità e gli intenti del suo protagonista: Paterson scrive tutti i giorni delle poesie su un taccuino in silenzio, spensierato, senza avere la minima voglia di farle leggere a nessuno. Qualcuno potrebbe definirlo depresso o associale ma non è affatto così, semplicemente non se la sente.


lunedì 6 marzo 2017

Smetto quando voglio: Masterclass

Titolo: Smetto quando voglio: Masterclass
Regia: Sydney Sibilia
Anno: 2017
Paese: Italia
Giudizio: 4/5

La banda dei ricercatori è tornata: l'associazione a delinquere "con il più alto tasso di cultura di sempre" di Smetto quando voglio decide di ricostituirsi quando una poliziotta offre al capo, Pietro Zinni, uno sconto di pena e a tutto il gruppo la ripulitura della fedina penale, a patto che aiutino le forze dell'ordine a vincere la battaglia contro le smart drug. Così questi laureati costretti a campare di espedienti in un'Italia che non sa che farsene della loro cultura vanno a recuperare un paio di cervelli in fuga e lavorano insieme per stanare i creatori delle nuove droghe fatte con molecole non ancora illegali. Pietro però non può rivelare nulla del suo nuovo incarico alla compagna Giulia, incinta del loro primo figlio, ed è costretto ad inventare con lei bugie sempre più colorite.

E'una gioia vedere un sequel ancora più convincente del primo capitolo. Soprattutto quando sai che presto arriverà il terzo. Sibilia ha girato due film assieme riuscendo a tenere alta la testa e dirigendo ottimamente una crew di attori quasi "tutti romani" ma simpatici.
La prima saga italiana che rifacendosi alla commedia mischia azione, humor e tanti altri elementi (oltre che omaggiare tanto cinema) grazie ad un ritmo davvero incredibile e senza mai grosse pause che ne sanciscano i limiti è una vera sorpresa e apre forse uno spiraglio di innovazione per il nostro cinema. Edoardo Leo è riuscito in pochi anni a diventare uno degli attori più famosi e prolifici ritagliandosi ruoli da protagonista senza capire come abbia fatto a scalare il successo così velocemente (dal momento che è un attore mediocre), mentre il resto del casting è sempre a suo modo spassoso inserendo alcuni personaggi nuovi e funzionali come la Scarano e Lo Cascio.
Si ride e si festeggia prima di tutto per lo sforzo e il successo al botteghino di questi nerd criminali. Si ride davvero tanto in questo film senza però mettere da parte la trama e aggiungendo o meglio analizzando più a fondo il fenomeno delle smart drugs e inserendo altre novità come i blogger, un ispettore che si fa "aiutare" dai banditi proponendogli un affare niente affatto legale, e tante altre cose tra cui un non precisato antagonista ma sperimentando il brevetto della guerra tra ricercatori.
La struttura temporale abbraccia una sorta di analessi e tutto comunque viene collegato con il finale del film precedente senza muovere le lancette del tempo (la ragazza di Pietro infatti e ancora in cinta) ma anzi giocando di rimandi, raccordi e flash back. Un film psichedelico come il primo, drogato di acida ironia e finalmente un'operazione che fa pensare in tutto e per tutto ad un "unicum"

sul genere. Aspettiamo trepidanti "Ad Honorem".

giovedì 23 febbraio 2017

Moonwalkers

Titolo: Moonwalkers
Regia: Antoine Bardou-Jacquet
Anno: 2015
Paese: Francia
Giudizio: 3/5

1969: il governo americano ha bisogno delle riprese di un falso allunaggio per battere sul tempo i russi e manda a Londra un agente della CIA traumatizzato dal Vietnam perché convinca Kubrick a girarlo. Ma si mette in mezzo lo spiantato manager di un gruppo rock, e finiscono per ingaggiare un auteur sperimentale.

Un film furbetto e divertente. Una dissacrante commedia che cerca a suo modo di creare una sorta di parodia e ironizzare sui complotti in questo caso su uno di quelli di cui si è più parlato e della rivisitazione folle, drogata, esilarante, yippie e pulp dello storico allunaggio dell'Apollo 11.
Sono davvero tante le teorie sull’allunaggio da parte del governo americano, c’è chi sostiene che negli anni ’60 non sia assolutamente avvenuto nulla e che sia stata tutta una montatura a livello socio politico nel momento più caldo della Guerra Fredda e c’è invece chi sostiene che il governo americano sia veramente riuscito a compiere quel famoso piccolo passo per l’uomo, ma grande passo per l’umanità.
Qui c'è il Nathan di MISFTIS che dovrà interpretare niente poco di meno che sir"Stanley Kubrick", Ron Perlman che da solo salva tutto il film dal momento che il resto del cast è abbastanza sopra le righe e i risultati non sempre sono soddisfacenti. Si ride ma non poi così tanto.
Perchè al di là del complotto, c'è una band che suona concerti, una lotta tra gang inglesi e americane, travestimenti e inseguimenti, sparatorie, risse, discoteche, il tutto condito da uno stile dinamico e frizzante, la parodia sulla nota “teoria del complotto” con citazioni kubrickiane e tanta ironia dal gusto british/vintage.
Alla fine al regista non interessa concentrarsi sulla verità oppure no. Cerca semplicemente di far ridere e dare vita ad una pellicola con un ritmo potentissimo, sgargiante di colori ma che alla fine sembra un trip andato male e conoscendo Jacquet posso dire che il suo precedente FUNERAL PARTY era tutt'altra cosa.




domenica 19 febbraio 2017

Sing

Titolo: Sing
Regia: Garth Jennings
Anno: 2016
Paese: Usa
Giudizio: 3/5

Il koala Buster Moon si è innamorato del teatro all'età di sei anni e al teatro ha dedicato la sua vita. Ha anche accumulato una discreta serie di fiaschi e di debiti e ora è ricercato dalla banca a cui ha chiesto un prestito e dai macchinisti che reclamano lo stipendio. Come salvare capra e cavoli? Buster ha un'idea geniale: un talent show. Apre quindi le porte del suo teatro ad una lunga fila di aspiranti cantanti e performer e sceglie i suoi gioielli: Rosita, maialina madre di 25 figli piccoli, Mike, topino vanitoso e vocalist d'eccezione, Ash, porcospina dal cuore rock e Johnny, scimmione dall'animo blues. Ci sarebbe anche Meena, elefantina portentosa, apparentemente troppo timida per esibirsi in pubblico...

Faccio difficoltà a trovare la giusta dose di empatia quando mi ritrovo a vedere film d'animazione per ragazzi quasi sempre al cinema con uno o più di loro affianco che si aspettano ovviamente che da un momento all'altro la risata.
Ho sempre sofferto di una rara forma di presa di distanza da alcuni personaggi troppo carichi di buoni sentimenti e dalla lacrima facile da quando sono piccolo e mi portarono a vedere la vaccata per eccellenza di nome ET, film cinematograficamente perfetto ma che a me è sempre stato in culo.
Sing muove le corde dell'anima, canta e suona senza mai fermarsi, crede in ognuno di noi, si fa portatore di sogni e speranze facendo pure una piccola critica sui nuovi talent show e le dinamiche di coppia che rischiano di saltare per una clausola del contratto discografico.
Sono così tanti e strutturati in modo diverso i personaggi da lasciare basiti per l'ottimo lavoro di caratterizzazione e performance di ognuno di loro.

Alcuni fanno più ridere di altri questo è chiaro ma Jenning che non dimentichiamoci è il regista di GUIDA GALATTICA PER AUTOSTOPPISTI è uno che sa far ridere e ragionare unendo in un mood splendido e con delle ottime canzoni ironia e temi sociali attuali e importanti come l'amicizia, l'autostima, l'empatia, il lavoro di squadra e tanto altro ancora.

Ora legale

Titolo: Ora legale
Regia: Ficarra & Picone
Anno: 2016
Paese: Italia
Giudizio: 2/5

Salvo e Valentino sono cognati e vivono a Pietrammare, paesino della Sicilia dove gestiscono insieme un chiosco sulla piazza principale. Il marito della sorella di Valentino, a sua volta sorella della moglie di Salvo, è Pierpaolo Natoli, un professore di liceo dagli elevati valori morali e la condotta integerrima. Pierpaolo si candida a sindaco di Pietrammare contrapponendosi a Gaetano Patanè, il primo cittadino in carica, un concentrato di corruzione e malaffare: vuole proporre un cambiamento radicale che metta fine al degrado etico ed estetico che Patanè ha incoraggiato nel paese. A sorpresa, i compaesani votano Natoli sindaco, ma una volta eletto questi esigerà il rispetto assoluto delle regole: e si sa, in Italia chi invoca la legalità lo fa sempre riferendosi agli altri, mai a se stesso. Salvo e Valentino rappresentano bene la popolazione di Pietrammare: da una parte i molti, come Salvo, che nel malcostume ci sguazzano, traendone il proprio piccolo o grande tornaconto; dall'altra i pochi come Valentino che vorrebbero un paese migliore, più onesto e rispettoso del prossimo. Ma i due cognati scopriranno di essere meno diversi di quanto pensassero perché quella verso la legalità è una strada in salita, soprattutto per chi non è mai stato abituato a percorrerla.

"Dovete fare un film commerciale che faccia ridere, slapstick datate, e sia allo stesso tempo una critica, politicamente super corretta, sul problema della mafia in Sicilia".
Praticamente al centro abbiamo una trama scontata e un concetto trito e ritrito che forse solo ad alcuni  potrà piacere ridendo in fondo di se stessi.
L'ora legale è terribile per come mostri una regione tra le più problematiche in Italia che accetta volentieri e con orgoglio di non cambiare e dall'altra gli stereotipi e i clichè del cinema italiano.
Di cosa poi si ride nel film e perchè ancora oggi si usa in modo tradizionale una satira che viene accettata e alimentata dal popolo?
La Sicilia è orgogliosa di non cambiare tradizione lasciando ai posteri e all'arte, al cinema soprattutto, i tentativi e la parodia di cineasti che credevano forse in un cambiamento. Questo film spiega in modo molto ironico, troppo forse ed elementare, il dna di un "siciliano" e la sua immutabilità e corruttibilità.
Quando però la realtà supera l'immaginario e la fantasia non fa più ridere, anche se questo la coppia di comici non sembra averlo molto chiaro, questa ironia e critica viene assimilata senza darle il giusto peso come invece dovrebbe.
Un fatto sociale che a distanza dei vecchi neorealisti del cinema italiano ancora mette in mostra sempre lo stesso lato della medaglia.
La critica velata al M5S non passa poi così inosservata e sembra la tecnica usata dal duo per monitorare come anche i "cambiamenti" possano risultare inadeguati anche quando portano su un piatto d'argento i risultati e la legalità. Il discorso sulla differenziata è senza dubbio perfetto.
Ficarra e Picone come attori sono tremendi. Uno sembra aver contratto una malattia rara che lo fa sembrare un mammifero muto e mite in via d'estinzione mentre l'altro che vorrebbe far ridere è la parodia di se stesso e ancora peggio non sta fermo un attimo.

mercoledì 15 febbraio 2017

Greasy Strangler

Titolo: Greasy Strangler
Regia: Jim Hosking
Anno: 2016
Paese: Usa
Giudizio: 3/5

Il film racconta la storia di Ronnie, un uomo che gestisce un tour di Disco Walking assieme al figlio Brayden. Quando una donna sexy e affascinante prende parte al tour, comincia una competizione tra il padre e il figlio per attirare le attenzioni della donna. Nel frattempo un maniaco viscido e disumano soprannominato ''The Greasy Strangler'' si aggira per le strade di notte a strangolare innocenti.

Esercizio di stile, hipsterata doc, viaggio di nozze weird, trashata mega galattica? Innanzitutto bisogna fare una premessa su coloro che hanno reso possibile questo film che altrimenti non avrebbe mai preso vita (sono sicuro che qualcuno sperava che non si facesse). Infatti dietro a questa produzione troviamo Tim League di Drafthouse Pictures, il regista di culto Ben Wheatley e l'attore Elijah Wood.
Greasy Strangler è un po di tutto e niente di tutto questo. Un film che da spiegare non si può, bisogna vederlo apprezzarlo o detestarlo senza esitazioni.
Un indie disgustoso e offensivo, maniacalmente divertente, anomalo e strano come il regista alla sua opera prima che confeziona qualcosa di non solo bizzarro ma una prova d'amore per John Waters e Lloyd Kaufman e tanta altra scuola.
Abbiamo padre e figlio che fanno schifo oltre ogni modo, forma e misura. Il loro bisogno di provocare e inondare lo spettatore con dei dialoghi che sembrano un'ammissione di negligenza e omosessualità repressa è sintomatico per un film che proprio non riesce ad essere preso sul serio.
Allo stesso tempo è così confezionato bene che ogni accessorio è studiato così ad hoc e impreziosito con dei colori sgargianti e dei contrasti che bilanciano tutto lo scenario che non è mai improvvisato come potrebbe sembrare.
Greasy Strangler oltre ad essere una commedia horror è un'esperienza da fare sobri, vomitando scemenze e depositando resti fecali di un abominio alimentare trattato senza nessun riguardo e con uno schifo cosmico che non vedevo da un pezzo. Il film comunque non è affatto stupido ma si traveste in questo modo per cercare nei suoi silenzi e nelle espressioni luciferine e autistiche dei suoi personaggi, un'alienazione dalla società post-contemporanea e un inno all'anarchia più pura e dura dove padre e figlio combattono per chi ha il cazzo più duro e si fa valere a letto.
Il finale forse è la parte peggiore in cui il regista vuole dare con una metafora un significato alla lotta di questo improbabile duo inserendo un paio di scene che non giovano come dovrebbero e che sembrano dare complessità e intenti politici a un prodotto che vale la pena che voli basso per non rovinare quella componente grassa e cangerogena di cui Ronnie è succube e dipendente.



martedì 14 febbraio 2017

Fuga da Reuma Park

Titolo: Fuga da Reuma Park
Regia: AA,VV
Anno: 2016
Paese: Italia
Giudizio: 1/5

Siamo alla vigilia di Natale a trent'anni da oggi. Aldo, partendo dalla Sicilia, viene accompagnato al Reuma Park, un vecchio Luna Park trasformato in una specie di carcere di massima sicurezza per anziani. Qui incontra Giovanni la cui memoria è ondivaga ma a cui è rimasto l'interesse per una procace infermiera dell'Est Europa e Giacomo, costretto su una sedia a rotelle e arrabbiato con il mondo. Il trio si forma nuovamente e si propone come obiettivo una nuova impresa: fuggire da Reuma Park.

Quando vedi il trio di comici che per anni ti ha fatto morire dal ridere ormai giunto alle pezze senza nemmeno lo straccio di un'idea che possa almeno far sorridere significa la fine.
Aldo, Giovanni e Giacomo erano già arrivati al capolinea ma vedere uscire un film di Natale fatto di fretta e riciclando idee già sfruttare in passato è una grossa regressione che dal trio non mi sarei mai aspettato. Dietro le quinte compare tale Morgan Bertacca il regista del precedente IL RICCO, IL POVERO E IL MAGGIORDOMO un'altra immonda schifezza che quasi non sono riuscito a vedere fino alla fine.
Cosa dire. Se gli sketch non funzionano tutta la struttura e il ritmo scemano di conseguenza. Dicevo che i contenuti sono quelli già sfruttati nei numeri a teatro sulla terza età.
Praticamente è andata così. A differenza degli ultimi spettacoli teatrali in cui grazie all'aiuto e al talento di Arturo Brachetti, i nostri performer hanno dimostrato di avere ancora qualche cartuccia da sparare, purtroppo al cinema la loro ironia non ha mantenuto la stessa forza e lo stesso impianto ottenuto invece sul palco.
Fuga da Reuma Park è il classico film di Natale per accontentare l'unico pubblico che ancora può ridere del terzetto ovvero proprio la terza età. Quindi è stato scritto, diretto e interpretato velocemente senza nessuna idea e allungando i ritmi e la noia per accontentare un target specifico e guadagnare con questa mossa più soldi possibili.
Commercialmente è la mossa più astuta che potevano fare.


domenica 29 gennaio 2017

Proprio lui?

Titolo: Proprio lui?
Regia: John Hamburg
Anno: 2016
Paese: Usa
Giudizio: 2/5

Ned Fleming, la moglie e il figlio più giovane si spostano durante le vacanze di Natale dal Michigan alla California, per far visita alla primogenita Stephanie e conoscere il suo fidanzato, dopo che ne hanno più che intravisto il posteriore nel corso di una videochiamata collettiva. Laird, il giovane in questione, è un ultra miliardario della Silicon Valley, padrone di un'ipertecnologica tenuta da sogno, ma anche eccentrico erotomane, incapace di controllare il linguaggio, insensibile a qualunque limite socialmente stabilito. Nonostante il ragazzo sembri conquistare il resto della famiglia, Ned persiste nel considerarlo il suo peggior nemico, specie dal momento in cui Laird gli confessa di voler fare a sua figlia la fatidica proposta.

Why Him? È una commediola semplice e senza troppi significati sulla famiglia, i nativi digitali, la rivoluzione tecnologica che ha sancito un cambio epocale e tante altre piccole cose sparpagliate a caso con qualche idea carina e nulla più come la famiglia e lo scontro generazionale.
Pensavo di ridere ma non ci sono riuscito, però al tempo stesso per fortuna non mi sono troppo annoiato.
Una filosofia cazzara che ha saputo conquistare media e pubblico. Hamburg, questo è il nome del regista, è specializzato in commedie ridicole che cercando di strappare qualche risicato sorriso.
Il risultato è un film certo più interessante della media, se non altro per il cast in particolare Cranston e una sceneggiatura che cerca di fagocitare nuove mode tendenziose, architetture esageratamente stucchevoli e lussuose, filosofie di vita sull'alimentazione quasi ridicole, e santoni aka guru aka medicin man che seguono e inseguono con diete e preparazioni atletiche i loro capi.
Su di Lui penso che Franco attore fa qualsiasi cosa, dai thriller di serie b alle cazzatone come questa per pagarsi i film e soprattutto la droga. Quando invece sta dietro la macchina da presa si improvvisa regista impegnato portando in scena McCarty, uno dei miei scrittori preferiti, Steinbeck e Faulkner. Lo sceneggiatore del film continua un processo che a Hollywood piace molto come quello di far passare come anti-convenzionale quello che invece è proprio consuetudine e così tutti a pensare che film come questo siano politicamente scorretti perchè Laird dice che ha le "palle nere" perchè non scopa quando invece il film è una continua corsa a trovare clienti per tutti i messaggi pubblicitari e la sfrenata ed eccessiva rincorsa al lutto e al consumismo sfrenato.
Un film "idiota" con il pregio di non nascondere questo elemento ma di prenderlo in alcuni passaggi un po troppo sul serio come quello di far credere, forse l'elite della Silicon Valley ci si ritrova a pennello, che in fondo diventare milionario con le app sia la cosa più semplice del mondo in cui chiunque può diventare ricco da un giorno all'altro. Pur non escludendo che sia così, la realtà è ben più complessa.


Quel bravo ragazzo

Titolo: Quel bravo ragazzo
Regia: Enrico Lando
Anno: 2016
Paese: Italia
Giudizio: 1/5

Cosa succede se un potentissimo boss mafioso sta per morire e vuole lasciare il comando della sua spietatissima cosca a un figlio che non ha mai riconosciuto? Ma, soprattutto, cosa succede se quel figlio è un innocuo, ingenuo e goffo ragazzotto di 35 anni che fa il chierichetto e che è vissuto in un orfanatrofio di un paesino del Sud Italia?

Quel bravo ragazzo è un film ingenuo che dopo ITALIANO MEDIO conferma la confusione e la pochezza di contenuti che gli "artisti" Maccio e Herbert dimostrano con i lungometraggi a differenza dei corti sul web che li hanno resi celebri. Ormai si sà che di questi tempi, diversi"personaggi" crescono proprio come youtuber o grazie al web per poi slittare su altre piattaforme.
Luigi Luciano non è un attore e come cabarettista forse un paio di espressioni da ebete riesce ad azzeccarle e in alcuni momenti, ci mancherebbe solo, si ride anche se non proprio di gusto.
La curva è solo più in discesa dopo l'insuccesso della serie su Infinity MARIOTTIDE-LA SERIE tentativo forse ancora peggiore dei lungometraggi dal momento che l'eutanasia uno l'approverebbe dopo il primo insulso episodio.
E poi sempre e comunque i luoghi comuni.
La mafia ridicolizzata, le stereotipie del Sud, l'assenza di ritmo e le gag imbarazzanti.
L'unico elemento che si salva, ma non voglio spoilerare, è una trovata su una curiosa app del cellulare legata alla criminalità organizzata. Il resto è noia e rivisitazioni di slapstick già viste.


sabato 28 gennaio 2017

Realitè

Titolo: Realitè
Regia: Quentin Dupieux
Anno: 2014
Paese: Francia
Giudizio: 3/5

Una bambina in una casa di campagna vede il padre squartare un cinghiale dalle cui interiora fuoriesce un videocassetta VHS. Intanto il conduttore di un programma culinario televisivo viene assalito da un eczema immaginario che lo spinge a grattarsi nel corso delle riprese. Uno dei cameramen del set, con velleità registiche, si reca da un produttore per proporgli il soggetto di un film. Otterrà un ok a patto che riesca a produrre un gemito di dolore mai sentito prima.

Lode a Mr Oizo. Al di là della sua musica, il dj ormai introdotto a pieno nella settima arte arriva al suo terzo lungo senza contare i cortometraggi precedenti.
Un comico, un piccolo e stralunato profeta della demenzialità, un autore bizzarro, non sempre geniale, solo a fasi alterne. Dupieux è tutto questo e molto altro, un artista eclettico che riesce a infarcire di riferimenti e buone intuizioni i suoi divertentissimi film e la sua originale galleria di personaggi folli e volgari.
Realitè manco a dirlo apposta e il film in cui il regista si prende più sul serio. Un viaggio onirico, una commistione tra realtà e fiction, in uno stato di coscienza in cui al regista non sembra interessare se le cose alla fine abbiano un senso oppure no, l'importante è ascoltarle o meglio metterle in scena.
Tre storie destinate a intrecciarsi e fondersi assieme per arrivare ad un finale ancora più suggestivo dove la fantasia e l'inquietudine del dj/regista non sembrano trovare il connubio perfetto regalando una parabola distorta della società. Una bomba a orologeria dove il frutto della semina non garantisce un raccolto efficace; alla fine rimaniamo inermi di fronte ad un viaggio immaginifico fatto di sovrapposizioni in cui protagonista è la matrioska mediatica degli eventi che deflagrano sui protagonisti in particolare l'aspirante regista Alain Chabat, perso nella ricerca del gemito perfetto per il suo horror di fantascienza.



Sing Street

Titolo: Sing Street
Regia: John Carney
Anno: 2016
Paese: Irlanda
Giudizio: 3/5

Conor vive nella Dublino di metà anni '80, ha 16 anni e un talento nella scrittura di canzoni. L'incontro con l'aspirante modella Raphina, di cui s'innamora perdutamente, lo spinge a fondare una pop band per attirare la ragazza come attrice di videoclip. Nel frattempo il matrimonio dei genitori va in frantumi: saranno la musica, l'amore e l'inossidabile rapporto col fratello maggiore a dare al ragazzo un coraggio che non credeva possibile.

Carney come il protagonista del suo ultimo film, sembra un artista che si porta sempre appresso il suo canzoniere personale. Finora in tutti i suoi film è riconoscibile un filo conduttore legato alla musica e ai rapporti di coppia. La playlist di Sing Street è qualcosa che rimane impressa almeno quando i video musicali girati dalla band con il super 8, le prime performance e il bisogno di non omologarsi agli altri. Sono diversi i contributi europei alla musica degli anni '80, quella con cui sono cresciuti i registi, qui in particolare la scelta e le imitazioni chiamano in ballo i Duran Dran, i Depeche Mode e gli Spandau Ballet. Sing Street ha molte parti biografiche in cui l'autore sembra voglia raccontarci qualcosa che era nell'aria in quegli anni e che era destinato a generare un cambiamento. Il film descrive il microcosmo dell'adolescenza in modo mai banale e con alcune riflessioni e scene di vita significative e molto realistiche. E'la versione maschile del bel film di Moodysson WE ARE THE BEST con cui i film hanno diverse analogie. Entrambi catapultati negli anni '80 uno a Stoccolma l'altro a Dubino, due mete che descrivono senza bisogno di troppe parole l'energia che si stava incanalando senza però avere i fasti di realtà come Londra o Berlino.
E'un film nostalgico quello di Carney, in cui la musica è ancora al centro della scena.
Nonostante tutto e la bravura indiscussa del giovanissimo cast, Sing Street rimane il film più compiuto di Carney, quello in cui i personaggi e lui stesso riescono a comunicare anche nelle pause della musica e allo stesso tempo però un'operazione che seppur riuscita non riesce ad andare oltre, analizzando per l'ennesima volta una realtà ormai ampiamente abusata.